¿Por qué el cuarteto de cuerda es el género más importante en el ámbito de la música de cámara? ¿Cómo surgió este género? ¿Cómo evoluciona la historia del cuarteto? Durante treinta minutos, el musicólogo Miguel Ángel Marín plantea respuestas a estas preguntas. De este modo se describe el asombroso alumbramiento del género en la década de 1760, las características de las primeras obras y los principales protagonistas. Se inicia así el ciclo La historia del cuarteto en siete conciertos, que desde octubre de 2017 hasta junio de 2018 recorrerá la historia de este género.

Entre 1780 y 1800, el cuarteto de cuerda pasó de ser un género marginal a situarse en el epicentro del sistema musical. Los profundos cambios sociales e ideológicos que se estaban produciendo en toda Europa encontraron su vehículo de expresión en un género abstracto, que no parecía transmitir conceptos ni sentimientos, pero que encerraba una refinada forma de elocuencia. De este modo, el cuarteto vino a encarnar, como ningún otro género musical, los ideales de la Ilustración.

La música como conversación ilustrada

Como muchos oyentes de su época, Goethe concebía el cuarteto de cuerda como una conversación racional entre cuatro personas inteligentes. En buena medida, esta idea aparece plasmada en obras como los Cuartetos Op. 33 de Haydn, que revolucionaron el género del cuarteto de cuerda. Siguiendo su estela, Mozart empleará tres años en componer seis cuartetos que dedicará a su amigo Haydn. Por su parte, Ignaz Pleyel, alumno de Haydn, conseguirá difundir sus cuartetos con gran éxito en toda Europa.

El cuarteto como conversación

En muy pocos años, el cuarteto se convirtió en el eje de la creación musical moderna, y la Viena de principios del XIX presenció cómo Beethoven y Schubert llevaban al género hasta sus límites formales y expresivos. En esta presentación, Luis Gago desgrana ciertos rasgos compositivos que cuestionan el ideal clásico del cuarteto como conversación entre cuatro personas razonables y presenta las claves para la escucha del Cuarteto Op. 95, “Serioso” de Beethoven y del Cuarteto D 810, “La muerte y la doncella” de Schubert.

La segunda generación cuartetística: Beethoven y Schubert

Mendelssohn compuso los Cuartetos Op. 44 entre 1837 y 1838, en un momento en que pocos creadores se acercaban al género. El compositor, residente en Leipzig, se hallaba en plena madurez y mantenía relaciones de amistad con músicos como Robert Schumann. El segundo de estos cuartetos está considerado como una de sus obras más inspiradas. El “Scherzo. Allegro di molto” presenta un carácter ligero e inquieto, mientras que el “Andante” es una canción sin palabras de inspirado lirismo cuyo rol protagonista corresponde al primer violín.

Mendelssohn: Cuarteto en Mi menor Op. 44 nº 2

Mendelssohn y Schumann conciben algunos de los cuartetos más influyentes de la historia a mediados del siglo XIX, todavía bajo el impacto provocado por Beethoven. En esta presentación, Eva Sandoval introduce el Cuarteto en Mi menor Op. 44 nº 2 de Mendelssohn (modelado a partir de los modelos clásicos de Haydn, Mozart y Beethoven) y el Cuarteto en La menor Op. 41 nº 1 de Schumann, escrito “con respeto a las reglas del cuarteto”.

Una mirada a los orígenes del cuarteto

Tres ciudades: Praga, París, Barcelona. Tres compositores: Smetana, Ravel, Toldrà. Tres contextos sometidos a fuertes tensiones sociales y políticas en los que se crean tres cuartetos que marcan un hito en la historia del género. El musicólogo Fernando Delgado expone las claves de estas obras y del contexto que las vio nacer.

Tres cuartetos, tres ciudades

Los inicios del siglo XX vieron una revolución en la escritura para cuarteto de cuerda. Jorge Fernández Guerra presenta las Tres piezas para cuarteto de Stravinsky (arquetipo del neoclasicismo), la Suite lírica de Alban Berg (con sus crípticos mensajes amorosos) y el Cuarteto nº 3 de Bartók (ejemplo de una depurada arquitectura formal), junto con el Livre pour quatuor, obra en la que Pierre Boulez trabajó durante décadas.

La eclosión del cuarteto en el siglo XX

Las convulsiones políticas y estéticas del siglo XX afectaron al cuarteto de cuerda. El vídeo del Cuarteto Diotima refleja esta agitación, al confrontar obras que aspiraban a construir un orden nuevo tras la Primera Guerra Mundial (como las de Alban Berg) y composiciones que pretendían reconstruir el mundo sobre las ruinas del pasado (como las de Stravinsky). A ellas se añaden composiciones como las de Boulez, quien se plantea qué sentido tiene crear belleza tras el trauma de la Segunda Guerra Mundial, y un ejemplo de la vigencia que sigue teniendo el género a lo largo del siglo: el tercero de los cuartetos de Béla Bartók.

El cuarteto entre 1914 y 1970

La pluralidad define al cuarteto de cuerda en la actualidad. La indagación tímbrica, polifónica, la hibridación con tradiciones no occidentales y el diálogo con el pasado son algunos de los rasgos que caracterizan al género desde 1970. En esta presentación, Germán Gan analiza algunos de estos rasgos a partir de cuatro obras con una perspectiva común: la reflexión sobre las posibilidades presentes de la tonalidad.

Post-, neo-, inter- (y otros prefijos en el cuarteto contemporáneo)

El compositor japonés Toru Takemitsu se inspiró en un pasaje de Finnegans Wake de Joyce para componer A Way A Lone (1981). Los sonidos de la pieza se articulan en torno a las notas Mi bemol, Mi natural y La, que en notación alemana componen la palabra SEA (“mar”, en inglés). Por su parte, el hondo impacto que le supusieron los dibujos realizados por los niños prisioneros en el campo de concentración de Terezín llevó a Osvaldo Golijov a componer Yiddishbuk, cuyos movimientos aparecen titulados con las personas a las que rinden homenaje: Doris Weiserova, Frantisek Bass y Tomas Kauders (niños que murieron en Terezín), el poeta Isaac Bashevis Singer y el músico Leonard Bernstein.

Cuartetos de Takemitsu y Golijov

En esta primera edición primaveral de Jóvenes intérpretes, el Cuarteto Synthèse presenta una propuesta en torno a escenas y paisajes urbanos entendidos a través del universo tímbrico de la formación camerística cosmopolita por excelencia, el cuarteto de saxofones. Un arreglo de Turina confeccionado por ellos y una obra encargada para la ocasión a Jorge Grundman orbitarán en torno a Ciudades de Guillermo Lago, con un apartado visual de nuevo cuño.

Cuarteto Synthèse

Una historia del musical, tal como la descrita por este ciclo, quedaría incompleta sin un concierto dedicado a la big band. Su época dorada discurrió en paralelo a la eclosión del musical, y ofrecía con frecuencia arreglos orquestales de las canciones y los números de baile de mayor éxito. Este concierto revive el sonido poderoso y plural, así como la incesante vitalidad característicos de la big band con una recopilación de sus arreglos más memorables vinculados al musical.

Musicales en big band

En la segunda conferencia del ciclo “Cuatro obras maestras de la historia de la música”, el musicólogo, crítico musical y traductor Luis Gago explica la última etapa de Johan Sebastian Bach (1685-1750) desde una de sus composiciones finales, La Misa en Si menor, no interpretada en su totalidad hasta 1835, una obra católica de un compositor luterano que suscita un sinfín de interrogantes. Esta sesión intercala ilustraciones musicales en vivo interpretadas por un cuarteto de voces y un órgano.

La Misa en Si menor de Bach: final de trayecto

La escucha reforzada por la oscuridad potencia la percepción de la espacialidad: este principio sustenta el programa inaugural del ciclo dedicado a experimentar con la ausencia de iluminación en los conciertos. Distribuido por distintos espacios del auditorio, un singular conjunto de trompetas interpretará un repertorio que abarca seis siglos de historia para sumergir al oyente en una experiencia sonora irrepetible.

Cerrar los ojos (I)

En la primera conferencia del ciclo “Cuatro obras maestras de la historia de la música”, el profesor del Departamento de Musicología de la Universidad Complutense de Madrid José María Domínguez aborda una de las obras paradigmáticas del oratorio barroco, El Mesías (1741) de Georg Friedrich Handel (1685-1759), estrenada en 1742 en el Great Music Hall de Dublín. Esta sesión intercala ilustraciones musicales en vivo interpretadas por un cuarteto de voces, un órgano y un clave.

El Mesías de Handel

El musicólogo Emilio Casares es entrevistado por el periodista Íñigo Alfonso en una nueva sesión de Memorias de la Fundación, cuyos protagonistas son destacadas personalidades provenientes de diferentes ámbitos de la cultura que fueron destinatarios de becas o ayudas de la Fundación Juan March. Fue merecedor de una beca de la Fundación Juan March en 1977 para realizar un trabajo de investigación sobre “Los maestros de capilla de la catedral de Oviedo: estudio biográfico, estilístico y transcripción de sus obras”. Es doctor en Historia del Arte, en 1982 ocupó la primera plaza de catedrático de Musicología e Historia de la música creada en España, en la Universidad de Oviedo. Fue fundador y primer director del Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU) y actualmente es catedrático emérito de Musicología de la Universidad Complutense de Madrid. Recibió la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 2016.

Emilio Casares

El poeta simbolista Albert Giraud inspiró a Arnold Schoenberg una de sus composiciones más singulares: un ciclo de 21 textos (“tres veces siete”) que recrean un mundo expresionista y nocturno de tintes siniestros y dejos cabaretísticos. La obra, también descrita como un melodrama, recurre a la técnica del Sprechgesang, que el propio compositor definió como “melodía hablada”. Esta recitación con indicación de alturas, secundada por un grupo de cinco instrumentistas, se confió en su estreno en 1912 a la actriz Albertine Zehme, dedicataria de la obra. Con el mimodrama Ein Lichtstrahl [Un rayo de luz] de su cuñado Alexander von Zemlinsky a modo de prólogo, esta producción supone la octava edición del formato Melodramas, que inició su andadura en la Fundación en 2016.

Cabaré Pierrot

Los tres últimos cuartetos de cuerda de Mieczysław Weinberg, que cierran la interpretación de esta integral, fueron compuestos en la década de 1980, con las fuerzas ya mermadas. El tercer periodo compositivo se caracteriza por un tono oscuro y pesimista, en el que las estridencias y las disonancias dan paso a un sentimiento de soledad descarnada. La austeridad y la economía caracterizan la escritura con el fin de reducir la música a su esencia más pura.

Mieczysław Weinberg: integral de los cuartetos de cuerda (V)

Entrevista de Eva Sandoval a la pianista Noelia Rodiles y a la musicóloga María Cáceres previa al concierto "Isabel II, pianista" del ciclo Reinas de la música, transmitida por Radio Clásica de RNE.

Matronazgo y música en el salón aristocrático

En las décadas de 1840 y 1850, la música de Felix Meldelssohn sonaba con frecuencia en los "conciertos familiares" organizados en palacio por la reina Isabel II. En estos eventos, en los que participan activamente los propios miembros de la familia real, también se interpretaban obras de los principales compositores españoles del momento, como Juan María Guelbenzu o Martín Sánchez-Allú.

Mendelssohn y sus colegas españoles

Música

Entrevista de Alberto González Lapuente al musicólogo David Ferreiro previa al concierto "Aula de (Re)estrenos (124) Proyecto Conrado: integral de sus cuartetos (IV)", transmitida por Radio Clásica de RNE.

Conrado del Campo, a debate

Conrado del Campo compuso su Cuarteto nº 8 en Mi mayor en 1913. Con esta obra cierra la primera etapa en este género, tras una década intensa de frutos extraordinarios. Tendrían que pasar treinta años para que iniciara su segunda etapa. El movimiento “Lentamente, siempre con intensidad y patética expresión” es de carácter sombrío, pero con momentos dulces, con un desarrollo melódico fluido y una escritura contrapuntística especialmente densa.

Conrado del Campo: Cuarteto nº 8

Después de una pausa de tres décadas, Conrado del Campo retomó su actividad como compositor de cuartetos en 1942 con el Cuarteto nº 9 en Re mayor. Este tercer movimiento es una elegía de forma libre en la que los cuatro instrumentos han de tocar “con honda emoción”, como indica al comienzo. Un marcado lirismo recorre todo el movimiento con ecos palpables del drama lírico wagneriano. Esta fue su primera interpretación en tiempos modernos, en edición de David Ferreiro.

Conrado del Campo: Cuarteto nº 9

Luis Gago entrevista a Cibrán Sierra, violinista del Cuarteto Quiroga, antes del concierto "La cosmología pianística de Bartók" del ciclo Perspectivas bartokianas. Esta entrevista fue retransmitida por Radio Clásica de Radio Nacional de España

Los cuartetos de Béla Bartók

Entrevista de Clara Sánchez a la musicóloga Carmen Noheda previa al concierto "Folclore, vanguardia y tonalidad" del ciclo Un siglo de música polaca, transmitida por Radio Clásica de RNE

Cuartetos polacos: hojas de un diario no escrito

Karol Szymanowski y Krzysztof Penderecki representan dos modelos de la mejor tradición polaca y europea del cuarteto. Un siglo separa el Cuarteto nº 1 (1917) del Szymanowski y el Cuarteto nº 4 (2016) de Penderecki, cuyo estreno en España tuvo lugar en este concierto del ciclo Un siglo de música polaca. Ambas obras reflejan una magistral combinación de melodías folclóricas, procedimientos seriales y escritura tonal.

Szymanowski y Penderecki: dos cuartetos

En plena efervescencia de la vanguardia soviética, pocos compositores tuvieron la oportunidad de incluir cuartetos de cuerda en sus incipientes catálogos antes de que el realismo socialista cercenara todo intento de connivencia con las corrientes europeas de inicios del siglo XX. Los ucranianos Nikolái Roslavets y Aleksandr Mosólov, autores de sendos cuartetos en la década de 1920, pasaron de ser adeptos entusiastas del nuevo régimen a ser denunciados y desterrados, mientras que Arthur Lourié abandonó Rusia para comenzar una estrecha colaboración con Stravinsky en París.

Con la aprobación de Stalin

Dedicada al Cuarteto Vivancos, esta breve Oratio escrita en 2018 funciona, como indica el propio compositor, como “oración íntima y pura, sencilla, sin aspavientos ni artificios, sin más afirmación que un diálogo de amigo a amigo. Es música que quiere ser fresca, tal vez naïf, donde las melodías principales se repiten en forma de diálogo sin que ningún partido tome protagonismo excesivo”. El oasis que la pieza ofrece al oyente transmite una voluntad de recogimiento cuyo sonido es, para Vivancos, el de las palabras dichas al oído.

Bernat Vivancos: Oratio

En la década de 1780 se produjo la internacionalización de Joseph Haydn. En este proceso, España desempeñó un papel más relevante que la mayoría de los países europeos: una cofradía gaditana le encargó la que sería la meditativa colección Las siete últimas palabras de Cristo, y mantuvo contacto estrecho con el Duque de Alba e incluso el rey Carlos IV. Estos mecenas, que también se hicieron retratar por Goya, buscaron la música de Haydn en exclusiva por el mismo motivo: proyectar una imagen de prestigio como ciudadanos ilustrados.

Goya y el Haydn español

Cuartetos de cuerda

Las calles de la ciudad (City Streets, 1931, EE. UU.), de Rouben Mamoulian, con Gary Cooper, Sylvia Sidney y Paul Lukas. 
Presentación: Santos Zunzunegui

Basada en una historia del novelista Dashiell Hammett, la película cuenta la historia de amor loco de una pareja de delincuentes (Gary Cooper y Sylvia Sidney) y tiene todos los elementos que más podían incomodar a la censura de la época. Juegos de traición y mentira en un universo sórdido filmado con estilizada elegancia y con imágenes atravesadas por una cierta poesía entre noches de lluvia y de niebla.
El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

Las calles de la ciudad (1931) de Rouben Mamoulian

Cuando usamos la expresión "amor místico", es difícil calificarla como una redundancia o como una contradicción. Es redundante porque la forma más pura de ese amor (mejor dicho, su única forma posible) implica la fusión de dos entelequias (el alma y Dios) que no precisan matices ni suelen tolerarlos. Y es contradictoria porque no tiene más remedio que valerse de la retórica del amor humano para decir lo indecible. Esta presentación sirve para introducir el concierto "Amor místico", dentro del ciclo de conciertos Mil años de amor, que combina poesía mística con composiciones religiosas del Barroco español.

El amor místico y el Barroco

Dinero fácil (Smart Money, 1931, EE. UU.), de Alfred E. Green, con Edward G. Robinson, James Cagney, Ralf Harolde y Evalyn Knapp. 
Presentación: Pablo Echart 
 
Nick Venizelos (Edward G. Robinson), conocido como “Nick, the Barber”, figura inspirada en dos famosos jugadores de la época, es un barbero inmigrante griego con una especial habilidad para jugar al póker y una debilidad incontrolable por las mujeres rubias. Completan el reparto Ralf Harolde, interpretando al timador Sleepy Sam, y James Cagney, en el papel del amigo del protagonista, en su único trabajo junto a Edward G. Robinson.

El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

Dinero fácil (1931) de Alfred E. Green

El enemigo público (The Public Enemy, 1931, EE. UU.), de William Wellman, con James Cagney, Jean Harlow y Edward Woods. 
Presentación: Manuel Hidalgo 
 
El mafioso Tom Powers (James Cagney), inspirado en las figuras de gangsters reales de la época, manifiesta una afición desmedida por el alcohol y el dinero, se burla de las autoridades y ejerce una violencia feroz. Concebida como si fuera una crónica del nacimiento del gangsterismo en Estados Unidos al amparo de la ley seca, la película supuso la consagración de su protagonista. En 1949, al ser reestrenada, le fueron eliminados diez minutos, hasta dejarla en los 84 actuales, para cortar episodios que retrataban a un gangster real (Bugs Moran). 
 
El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

El enemigo público (1931) de William Wellman

Hampa dorada (Little Caesar, 1931, EE. UU.), de Mervyn LeRoy, con Edward G. Robinson, Douglas Fairbanks Jr. y Glenda Farrell. 
Presentación: Andrea Morán

Adaptación de una novela de William R. Burnett, la película cuenta la historia de Rico Bandello (Edward G. Robinson) y de su progresiva ascensión en el escalafón de la mafia. El personaje despertaba una gran fascinación sobre unos espectadores que, en plena depresión económica, se sentían identificados con el triunfo social del protagonista, muy inquietante para la moral conservadora de la América profunda y del código de censura.

El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

Hampa dorada (1931) de Mervyn LeRoy

El código criminal (The Criminal Code, 1930, EE. UU.), de Howard Hawks, con Walter Huston, Phillips Holmes y Constance Cummings. 
Presentación: Oti Rodríguez Marchante 
 
Un duro fiscal de distrito (Walter Huston) accede al cargo de alcaide de una prisión y ve cómo su hija (Constance Cummings) se enamora del recluso a quien él mismo había enviado a la cárcel. Filmada con gran concisión y sequedad, y producida con notable economía de medios, la película se anticipa a la corriente posterior del “cine penitenciario” y pone el acento en las penalidades de un ciudadano corriente encarcelado.

El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

El código criminal (1930) de Howard Hawks

El novelista y poeta Andrés Neuman habla del tango para presentar el segundo concierto del ciclo Mil años de amor. El amor es eterno y, muy probablemente, el tango también. Pero ninguna eternidad es inmune a los vaivenes históricos: más bien al contrario, los necesita para seguir generando sentido. A lo largo de un frenético siglo, amor y tango han formado una inestable pareja llena de intensidades, tensiones culturales y sobresaltos urbanísticos. Esta conferencia esboza un breve recorrido literario por el tango a partir de los textos de las obras más emblemáticas del género.

Amor y tango, una relación inestable

La senda del crimen (The Doorway to Hell, 1930, EE. UU.), de Archie Mayo, con Lew Ayres, James Cagney y Dorothy Mathews. 
Presentación: Carlos F. Heredero

Historia de Louie Ricarno (Lew Ayres), un mafioso cuyo propósito es ascender a la cúpula del poder gangsteril, casarse con su novia (Dorothy Mathews) y retirarse a Florida para escribir su propia autobiografía. Retrato de un personaje inmoral, admirador de Napoleón, obsesionado por construir su propia imagen y convencido de que el dinero puede comprarlo absolutamente todo. Algunos fragmentos del film reconstruyen episodios de la vida del gangster más famoso de aquel momento: Al Capone.
El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

La senda del crimen (1930) de Archie Mayo

El musicólogo Álvaro Torrente presenta el primer concierto del ciclo Mil años de amor, con el título "Cupido, amor travieso". En la España del siglo XVII, el cielo azul se nublaba a veces por Cupido y sus flechas de oro y plomo, que inflamaban y helaban los corazones. La poesía amorosa se expresaba en canciones de cámara, drama y devoción, explorando el sufrimiento y la pasión. El amor, personificado por Cupido, dominó la poesía lírica hasta el siglo XVIII, justificando las transgresiones morales. Esta presentación se centra en la canción monódica como vehículo musical que describe el amor y que fusionaba belleza poética y musical.

Flechas de amor y desdén

Vampiresas 1933 (Gold Diggers 1933, 1933, EE. UU.), de Mervyn LeRoy, con Joan Blondell, Warren Wiliam y Ruby Keeler. 
Presentación: Guillermo Balmori

Musical coreografiado por el gran Busby Berkeley, en el que cuatro alegres aspirantes a actrices buscan casarse con un marido rico durante los duros tiempos de la Gran Depresión, tratados aquí con inusitada crudeza en uno de los más famosos números de la historia del género, "Remember my Forgotten Man". El problemático vínculo entre el amor y el dinero, la insinuación de los desnudos femeninos en la coreografía "Pettin' in the Park"­­ y la fuerte determinación de las protagonistas convirtieron a este film en uno de los primeros con metraje alternativo para eludir la censura.

El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

Historia del cuarteto en 30 minutos

Miguel Ángel Marín presenta el ciclo "Historia del cuarteto en siete conciertos"

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