En esta sesión del formato Poética y Teatro, el director teatral, Lluís Pasqual (Reus, 1951), galardonado con el Premio Nacional de Teatro (1984) y nombrado en Francia Caballero de la Orden de las Artes y Letras (1984), reflexiona sobre su trayectoria profesional abordando la relación entre su vida y su obra.

Lluís Pasqual (I): Teatro y poética

En la sesión de “Poética y Teatro” dedicada a Lluís Pasqual, Juan Echanove interpreta Como canta una ciudad de noviembre a noviembre, de Federico García Lorca. El texto, que corresponde a una conferencia, es interpretado con reminiscencias de la entonación, del acento, del ritmo, en definitiva, del "duende" que el poeta utilizó para retratar Granada. A juicio de Juan Echanove, Lorca deja señales en sus textos a los actores que los tienen que interpretar. "Uno siente claramente que hay una conexión directa con el poeta, y después de haber hecho a Lorca –afirma el actor– ya nada es lo mismo".

Federico García Lorca: Como canta una ciudad de noviembre a noviembre

En esta sesión del formato Poética y Teatro, el director teatral, Lluís Pasqual (Reus, 1951), galardonado con el Premio Nacional de Teatro (1984) y nombrado en Francia Caballero de la Orden de las Artes y Letras (1984), dialoga sobre su trayectoria artística con el crítico literario e historiador Luciano García Lorenzo. La sesión se completa con la lectura dramatizada de Como canta una ciudad de noviembre a noviembre, de Federico García Lorca, a cargo del actor Juan Echanove.

Conversación y lectura dramatizada con Lluís Pasqual

Esta sesión está dedicada al montaje teatral de la comedia La casa de los celos y selvas de Ardenia de Miguel de Cervantes, primer proyecto escénico del nuevo formato “Dramaturgo invitado” de la Fundación Juan March. El catedrático de Literatura española Pedro Ruiz Pérez analiza el texto cervantino, subrayando las novedades temáticas y la mezcla de géneros y personajes (caballeros, pastores, héroes históricos y figuras morales). A continuación, en la mesa redonda moderada por Javier Gomá Lanzón, director de la Fundación Juan March, la directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro Irene Pardo y los responsables de la puesta en escena –el director Ernesto Arias y la responsable de la dramaturgia Brenda Escobedo– dialogan sobre el teatro de Cervantes y la representación de esta comedia.

En torno La casa de los celos, comedia de Cervantes

El catedrático de Literatura Española Javier Huerta Calvo recorre la trayectoria de La Barraca, compañía teatral de la Universidad Central de Madrid que dirigió artísticamente Federico García Lorca desde 1932 hasta 1935. El resultado fue el primer acercamiento moderno al repertorio de los clásicos teatrales españoles, que además contó con la colaboración de pintores jóvenes –como Benjamín Palencia, Alfonso Ponce de León, José Caballero o Norah Borges– para la creación de los figurines y decorados. El legado de La Barraca fue continuado por varios “barracos” o integrantes de La Barraca: Eduardo Ugarte, Arturo Ruiz-Castillo, José Caballero y, de manera destacada, Modesto Higueras, quien fue el primer director del TEU Nacional. La conferencia está ilustrada por varias lecturas dramatizadas –a cargo del actor Nacho Sánchez– de presentaciones y fragmentos de las obras representadas por La Barraca, así como varias entrevistas a Federico García Lorca.

La Barraca: el teatro universitario de Federico García Lorca

La segunda sesión del ciclo En torno a Goldoni consiste en un diálogo del investigador Joaquín Álvarez Barrientos con el director de teatro Lluís Pasqual sobre su experiencia como adaptador y montador de varias obras del comediógrafo veneciano Carlo Goldoni (Venecia, 1707-París, 1793). Para Pasqual, Goldoni –a quien ha comparado con Mozart– es "un Chéjov iluminista, lleno de luz y de alegría", como lo definió en su <a href="https://canal.march.es/es/coleccion/lluis-pasqual-i-teatro-poetica-22175">poética</a>.Las tres obras dirigidas por Lluís Pasqual de Goldoni son: Un dels últims vespres de Carnaval (1985, "Una delle ultimate sere di carnevale" en su título original), La famiglia dell'antiquario (2007), con un reparto íntegro de actores venecianos y estrenada en la Bienal de Teatro de Venecia, y Els feréstecs (2013, "I rusteghi" en su título original).

Lluís Pasqual y el teatro de Goldoni

En la primera conferencia del ciclo En torno a Carlo Goldoni, el profesor de investigación del Consejo Superior de Investigaciones Científicas, Joaquín Álvarez Barrientos, sitúa la figura y el papel destacado de Carlo Goldoni (Venecia, 1707-París, 1793) en el teatro de su época, el denominado como "nuevo teatro" dieciochesco, para así también trazar el carácter y biografía del comediógrafo italiano.

Carlo Goldoni (1707-1793), hombre de teatro, fenómeno europeo

En la segunda conferencia del ciclo Molière, en su centenario, el escritor, crítico teatral y traductor Mauro Armiño analiza el papel de Molière como dramaturgo de la corte de Luis XIV, para relacionar las nuevas costumbres y valores del reinado del llamado Rey Sol y la burla y crítica social vertida en varias de las comedias del dramaturgo y también actor, como en Tartufo, Don Juan o La escuela de las mujeres.

Molière: un comediante en la corte de Luis XIV

En la primera conferencia del ciclo Molière, en su centenario, a modo de introducción general, el catedrático de Filología Francesa José Manuel Losada aborda el contexto y la variada escritura teatral de Molière (París, 1622-1673), para prestar especial atención a las fuentes españolas y a su influencia en la literatura española.

Molière, su teatro y España

En diálogo con el catedrático de Literatura Española de la Universidad de Valladolid Germán Vega García-Luengos, el escritor e investigador teatral, especialista en el Siglo de Oro y el siglo XX, Luciano García Lorenzo (Zamora, 1943)​ repasa su trayectoria vital y profesional, comenzando por sus primeros años de formación en Zamora, donde fue alumno de Agustín García Calvo. De su llegada a Madrid para estudiar en la universidad, recuerda la influencia del ambiente político e intelectual del Colegio Mayor Universitario San Juan Evangelista, en el que residió y fue responsable de las actividades culturales. La recuperación del teatro clásico y la renovación de la investigación teatral, el Festival de Teatro Clásico de Almagro y la Compañía Nacional de Teatro Clásico son varios de los episodios destacados de esta Autobiografía intelectual.

Luciano García Lorenzo: autobiografía intelectual

El dramaturgo Alberto Conejero ofrece, primero, una reflexión en primera persona sobre el oficio de escribir para el teatro, refiriendo a la importancia del teatro griego, la palabra poética y la memoria en su escritura; a continuación, el diálogo con el periodista José Luis Romo discurre sobre la herencia de la cultura griega, las adaptaciones de los clásicos, el humor y el tratamiento del pasado, entre otros temas. A manera de conclusión, los actores Nacho Sánchez y Eva Rufo ofrecen la lectura dramatizada de cuatro monólogos de cuatro obras de Alberto Conejero, por este orden, Cliff (acantilado), Ushuaia, La geometría del trigo y La piedra oscura.

Alberto Conejero: “El teatro es el arte del vínculo”

El intérprete y director de teatro Lluís Homar (Barcelona, 1957) reflexiona sobre su proceso creativo y repasa su trayectoria artística. Desde los inicios como actor en el Teatre Lliure –en el que permaneció durante más de 20 años y del que llegaría a ser director–, Homar recuerda varios de los clásicos teatrales que ha montado con su compañía y en los que ha participado (Hamlet, Cyrano o Terra Baixa) y rememora varias de sus experiencias en la televisión y el cine, entre ellas los rodajes con Pedro Almodóvar. Asimismo, el actual director de la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC) detalla varios de sus proyectos de esta temporada, como los de la Joven Compañía, la ampliación del repertorio o el estreno de su primer montaje como director en la CNTC, La comedia de maravillas de Ramón de la Cruz.

Lluís Homar y el teatro como alimento del alma

Doctor en Teoría, Historia y Práctica del Teatro por la Universidad de Alcalá, Vicente Fuentes, es entrevistado por el periodista Íñigo Alfonso en una nueva sesión de Memorias de la Fundación, cuyos protagonistas son destacadas personalidades provenientes de diferentes ámbitos de la cultura que fueron destinatarios de becas o ayudas de la Fundación. En 1973 fue merecedor de una beca de la Fundación Juan March para desarrollar una investigación sobre los sonidos puros y su expresión corpórea.

Memorias de Vicente Fuentes

Teatro

Entrevista de Irene de Juan Bernabeu a la directora de escena Marta Eguilior previa a la representación de Medea, melodrama de Georg Anton Benda, transmitida por Radio Clásica de RNE

Medea, la transgresión de un mito 

El catedrático emérito de Filología Griega, Carlos García Gual, dialoga con el director y dramaturgo Miguel del Arco sobre la actualidad de la representación del teatro griego. A partir de su experiencia en proyectos como el Teatro de la Ciudad y como director en montajes como Antígona (2015) –a partir del original de Sófocles–, Del Arco expuso varias de sus reflexiones acerca de la adaptación contemporánea de los textos y la puesta en escena de la tragedia griega, en asuntos como la actuación o la caracterización de los personajes. La sesión se completa con la lectura dramatizada y representación de fragmentos de las Bacantes de Eurípides y Antígona de Sófocles, a cargo de los actores Manuela Paso y José Luis Martínez.

Representación y puesta en escena en el teatro griego

Gerardo Vera, director de teatro y cine, escenógrafo, figurinista y gestor cultural, recuerda sus inicios en el teatro y afirma que se siente afortunado por haber empezado con los más grandes directores y escenógrafos españoles –José Luis Alonso, Adolfo Marsillach y José Tamayo, entre otros– y haber vivido la renovación del teatro español en los años ochenta, de la mano de Lluís Pasqual. En el diálogo con el periodista Jesús Ruiz Mantilla aparecen temas como el trabajo con los actores y los procesos de creación de varios de los últimos montajes del director como Agosto de Tracy Letts, de 2011, y Los hermanos Karamázov de Fiódor Dostoievski, estrenado en 2015; de este último los actores Lucía Quintana y Markos Marín representan una escena.

"¿Para qué queremos la realidad si tenemos la poesía? Y eso es el teatro, poesía."

En diálogo con Luciano García Lorenzo, el dramaturgo y director teatral Ernesto Caballero reflexiona sobre la función de los clásicos y sus referentes dramatúrgicos en Calderón de la Barca, Cervantes y Valle-Inclán. También aborda la relación del público con el teatro y, en relación con su faceta de director del Centro Dramático Nacional, presta especial atención a la puesta en valor del teatro español. El acto se cierra con la lectura dramatizada de un fragmento de El descenso de Lenin de Ernesto Caballero por las actrices Karina Garantivá y Marta Betriu.

“El teatro es un acto de liturgia laica”

Ernesto Caballero se sirve del motivo del theatrum mundi, o el mundo como un gran escenario teatral, para cuestionar la realidad como representación. Mediante la ficcionalización y los juegos de espejos y máscaras, su poética se construye a partir de las influencias de Brecht, Cervantes, Valle-Inclán y, sobre todo, de Calderón de la Barca. El dramaturgo y director teatral presenta un recorrido biográfico a través de su creación dramatúrgica, a partir de la lectura y comentario de fragmentos de varias de sus obras a cargo de las actrices Karina Garantivá y Marta Betriu.

"En este espejo/ hecho de mentiras/ ves lo real"

En esta afirmación Alfredo Sanzol condensa varios de los temas que articulan su poética y sobre los que dialoga con el crítico Marcos Ordóñez; así la conversación se desarrolla en torno a la memoria inventada, los referentes teatrales, el humor como ejercicio de reflexión. En la segunda parte de la sesión, la actriz Lucía Quintana y el propio Alfredo Sanzol ofrecen la lectura dramatizada de fragmentos de tres obras de este último.

“Tengo muy mala memoria para los hechos, pero muy buena para las emociones”

El autor y director teatral Alfredo Sanzol hace memoria de su trayectoria profesional abordando la relación entre su vida y su obra, manifiesta en la presencia de un entorno de actores, familia y amigos con los que ha concebido buena parte de sus montajes y que le ha servido asimismo de inspiración constante. Su dramaturgia, de influencias diversas como Steven Berkoff o los Monty Python, refleja la tensión entre el inconsciente y la imaginación por un lado y los automatismos y las convenciones por otro, con la pretensión de humanizar a través del humor y de lo cotidiano.

El teatro, creador de la forma de la vida

Para Mario Gas el teatro está inmerso en la vida y supone un goce vital, así son sus convicciones personales las que conforman su poética. Su actividad artística se rige por un compromiso doble: consigo mismo y con la sociedad. Formado en el teatro universitario, actor, actor de doblaje, director y gestor teatral, es partidario de la palabra en el teatro y de los métodos de creación colectiva como las compañías estables. En su diálogo con Luciano García Lorenzo, aparecen cuestiones como la relación entre cultura y ocio, y la gestión teatral.

Compromiso consigo mismo y con la sociedad

En esta sesión del formato Poética y Teatro, el actor de doblaje, director de cine y director teatral hispano-uruguayo, Mario Gas (Montevideo, 1947), quien a lo largo de su carrera ha dirigido más de cincuenta obras de teatro, reflexiona sobre su trayectoria profesional abordando la relación entre su vida y su obra.

Some like it hot

Directores de teatro

“En ese abrazo de contrarios reside la poesía”, afirma Raquel Lanseros (Jerez de la Frontera, 1973) para referir al título escogido para esta conferencia sobre su poética personal. La búsqueda de la identidad, la conciencia de la finitud, la extrañeza y la admiración son varios de los motores del hecho poético, según la poeta, quien acude a los versos de Federico García Lorca, Antonio Machado, Rubén Darío, Bécquer o Alfonsina Storni para ilustrar sus reflexiones. En la segunda parte de la sesión, Lanseros ofrece la lectura comentada de cinco de sus poemas: “Invocación”, “Contigo”, “Amor propio”, “Cielo arriba” y “La loca más cuerda”, entre cuyos versos invoca a la esperanza, la imaginación y el amor a las palabras.

Las nupcias del incendio con el agua

En esta entrevista con el poeta y periodista Antonio de Lucas, el novelista, poeta y ensayista Fernando Aramburu revisita su trayectoria creativa. “Lo intenté primero con el fútbol, el ciclismo, la jabalina, pero no funcionó –dijo el protagonista–, hasta que Federico García Lorca me inoculó el virus de la literatura". Y se hizo profesor y escritor. Confiesa cómo fue volver a la poesía después del éxito de su novela Patria (2016). Habló también de su autobiografía en prosa, Autorretrato sin mí (2018), donde “me he dado entero” –afirma–, y de la que Antonio Lucas destacó la búsqueda de la complicidad del lector acerca de temas como la ausencia del padre fallecido, la experiencia amorosa o la paternidad. En palabras de Aramburu, el lector de poesía “tiene que ser un poco poeta, tiene que tener las cuerdas sensibles suficientes para que vibren”. En Vetas profundas (2019), su último libro, reúne sus reflexiones sobre poemas de cuarenta autores como San Juan de la Cruz, Lope de Vega, Rosalía de Castro o Alfonsina Storni. A su juicio, “la poesía, la experiencia de lo poético, es una necesidad básica del ser humano”.

Poética y narrativa de Fernando Aramburu

En esta conferencia del ciclo El gran mundo del teatro breve, el autor, director teatral y catedrático, César Oliva, aborda el uso de marionetas para la creación teatral de dramaturgos como Valle-Inclán, Lorca y Jacinto Grau. La sesión se completa con la interpretación de Los cuernos de don Friolera de Valle-Inclán y el Retablillo de don Cristóbal y La Zapatera prodigiosa de García Lorca, a cargo de los actores David Lorente, Pepa Pedroche y Daniel Orgaz.

Títeres dramáticos: de Valle-Inclán a García Lorca

Lluís Pasqual afirma que en la panadería de su familia aprendió las bases del trabajo responsable. Habla del teatro como una forma de artesanía, como una concentración de vida en un ámbito donde se vulneran las reglas del espacio y del tiempo. Fundador y actual director del Teatre Lliure, también disfruta con su trabajo dedicado a la gestión cultural. Define a un director teatral como un intérprete intuitivo cuya materia es la energía que circula en el ámbito teatral y que busca la "respiración" del autor, debe contagiársela a los actores y, al mismo tiempo, tener la capacidad de entender al público.