La exposición digital Típicos retratos. Una historia del rostro en quince representaciones, disponible en march.es, compedia la historia del retrato con una selección de quince rostros por quince artistas de todo el mundo hechos a lo largo de más de veinte siglos. En esta sesión, el periodista y escritor Ramón González Ferriz dialoga sobre este género artistico –de los más practicados del arte universal– con los especialistas Enrique Baquedano y José Manuel Matilla.

Acto inaugural de la exposición <a data-cms-link data-cms-link data-cms-link data-cms-link href="https://www.march.es/es/madrid/exposiciones/transicion-estetica-espana-1960-2020">La transición estética. España (1960-2020)</a>, con la participación del equipo curatorial: José María Parreño, Germán Labrador y Manuel Fontán del Junco.

Imagen: público esperando para entrar a la exposición de Picasso, Sala Gaspar, Barcelona, 1960. © Archivo Elvira Farreras Valentí. Cortesía Pedro Marín Boza

Acto inaugural de La transición estética. España (1960-2020)

El creador de historietas Francesc Capdevila (Max) charla con Pablo Pérez d'Ors en el acto inaugural de Saul Steinberg, artista, una exposición retrospectiva sobre esta figura clave del arte de posguerra que se definió a él mismo como “un escritor que dibuja”. Después de la conversación, Tomeu Garcías, trombón, y Joan Garcías, contrabajo, ofrecerán un repertorio de jazz inspirado en el universo musical de Steinberg.

Inauguración de la exposición Saul Steinberg, artista

La segunda entrega de <a data-cms-link data-cms-link data-cms-link data-cms-link href="https://www.march.es/es/palma/economias-arte" id="OWAe5b3f8aa-f386-f3c0-9c49-032322d6b18f">Las economías del arte</a> gira en torno a <a data-cms-link data-cms-link data-cms-link data-cms-link href="https://nagibookz.com/products/obsolescencia-programada-una-retrospectiva" id="OWA27cffb1f-2834-fb15-d909-f270ff36b975">Obsolescencia programada — Una retrospectiva</a>, de Henning Lundkvist, publicado en español por nagi bookz y la Fundación Juan March.

Tras una conversación entre el autor y Pablo Pérez d'Ors (en inglés, con subtítulos en castellano), la periodista de IB3  Margalida Mateu, el galerista Antoni Ferrer y la comisaria independiente Esmeralda Gómez Galera leerán fragmentos del libro para abrir un debate sobre las contradicciones de la economía del arte contemporáneo.

Obsolescencia programada

En esta sesión de Las artes y los oficios, Pedro Rosa Mena, fundador de todobarro, conversa sobre un proyecto que reinterpreta la artesanía tradicional del barro cocido desde el diseño contemporáneo, la innovación y la sostenibilidad. A partir de su trayectoria personal, explica cómo un oficio ligado a la construcción tradicional ha evolucionado hacia una propuesta que combina conocimiento artesanal, colaboración con diseñadores y nuevas tecnologías para responder a los retos actuales de la arquitectura y el interiorismo. 
La conversación aborda también el potencial del barro como biomaterial, la economía circular y la recuperación de saberes constructivos adaptados al clima mediterráneo. A través de proyectos que reutilizan materiales, investigan el comportamiento bioclimático de la arquitectura tradicional o incorporan herramientas como la impresión 3D, Rosa Mena reivindica una artesanía capaz de dialogar con la ciencia, el diseño y la innovación sin perder su vínculo con el territorio y los oficios.

Todobarro, una interpretación neoartesanal del barro cocido

Natalia Yera y Rosina Gómez-Baeza, directora y comisaria de la Colección Mariano Yera, conversan con Manuel Fontán del Junco con motivo de la inauguración de la exposición Complementarios y suplementarios en la Fundación Juan March Palma. A partir de la figura de Mariano Yera, impulsor de la colección, la charla recorre el origen y la evolución de este proyecto y reflexiona sobre el papel del coleccionismo privado en la conservación, investigación y difusión del arte contemporáneo. La conversación aborda también la evolución del coleccionismo en España y los desafíos para la proyección internacional del arte español. Las obras reunidas en la exposición dialogan con la colección permanente de la Fundación Juan March Palma, enriqueciendo el relato de la pintura española de la segunda mitad del siglo XX.

Inauguración de la exposición Complementarios y suplementarios

A la manera del Bosco propone un diálogo entre dos pinturas del siglo XVI, realizadas por un seguidor del Bosco, y artistas contemporáneos que actualizan, reinterpretan o emulan el imaginario delirante del maestro flamenco. En esta exposición, las visiones del Bosco conviven con las escenas surrealistas de David Lynch, las criaturas transhumanas de SMACK o la lógica generativa de la IA en la obra de Mario Klingemann. Esta continuidad en los artistas contemporáneos de ensoñaciones como las del Bosco no es un caso aislado. Su intensa influencia es excepcional: tras su muerte, sus invenciones, sátiras morales, imaginería delirante y humor negro se convirtieron en una tradición viva. Esta exposición está organizada con la colaboración de SOLO Contemporary.

Exposición: A la manera del Bosco

En una conversación entre el artesano y guarnicionero Francisco Dorantes y Braulio González Chávez, se aborda la relación entre la artesanía del cuero, la historia y el coleccionismo a partir del oficio de la guarnicionería. Dorantes repasa su trayectoria profesional y explica las labores esenciales del oficio, así como técnicas tradicionales del trabajo del cuero, como el lujado, clave para la resistencia y el acabado de las piezas. La charla subraya también la dimensión de investigación e innovación aplicada al oficio, desde el uso de cuero curtido vegetal hasta nuevas soluciones técnicas.

Dorantes: cuero y guarnicionería

El primer vídeo de la serie Legados de la Biblioteca se adentra en la figura de Modesto Ciruelos, pionero del arte abstracto español, a través del legado que su familia confió en 2024 a la Biblioteca de la Fundación Juan March. Su archivo personal revela la evolución artística de Ciruelos, desde sus inicios figurativos hasta su papel clave en la vanguardia. Este nuevo archivo descubre el rico contexto cultural y creativo del siglo XX, tejido a través de correspondencia, libros y testimonios de grandes artistas y escritores de su tiempo.

I. El legado de Modesto Ciruelos

El publicista Toni Segarra dialoga con el empresario y coleccionista José María Lafuente, creador del Archivo Lafuente, una de las colecciones más relevantes de documentación vinculada al arte moderno y contemporáneo. La conversación aborda la evolución del archivo y la formación de la mirada coleccionista, subrayando el valor artístico y documental de materiales como folletos y revistas de exposiciones. Se revisan los orígenes de la colección, sus primeras adquisiciones y figuras clave como Antoni Miralda o Ulises Carrión, junto a una reflexión sobre el arte conceptual y la nueva iniciativa Lafuente Cultura Material.

José María Lafuente, coleccionar arte

Coloquio sobre la concepción y organización de la exposición con los comisarios de la muestra –Manuel Fontán del Junco, Inés Vallejo y Lucía Montes– y otros invitados. La charla se divide en dos partes. En la primera, se habla sobre el proyecto expositivo, la museografía y la gráfica, haciendo hincapié en el catálogo que acompaña a la exposición. En la segunda, participan tres artistas españoles cuyo trabajo tiene conexiones con el de Robert Rauschenberg: Nicolás Combarro, Rosell Meseguer y Miguel Ángel Tornero.

Acerca de la exposición Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes

Arte

Los mosaicos helenísticos alcanzaron una amplia difusión en Pompeya durante el siglo I a. C. En la segunda conferencia del ciclo “El mosaico en el mundo griego y romano”, el catedrático emérito de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, Miguel Ángel Elvira Barba, analiza los diversos géneros pictóricos representados en los mosaicos –batallas, naturalezas muertas, catálogos de peces y retratos– que reflejan la riqueza artística y cultural del mundo helenístico.

El mosaico pompeyano

El origen del mosaico se remonta a los pavimentos de guijarros, una técnica perfeccionada en Alejandría mediante pequeñas teselas capaces de imitar la pincelada pictórica. En la primera conferencia del ciclo "El mosaico en el mundo griego y romano", el catedrático emérito de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, Miguel Ángel Elvira Barba, analiza la evolución del mosaico grecorromano desde los palacios de Macedonia hasta su llegada a Italia, donde surgirá una de sus primeras obras célebres: el mosaico de Palestrina.

El origen del mosaico

En la cuarta parada de nuestro ciclo sobre el Grand Tour, el historiador del arte Adriano Aymonino analiza la importancia del Grand Tour en la cultura artística europea del siglo XVIII, destacando el papel central de los artistas en su desarrollo. Más que un viaje de contemplación, fue una experiencia formativa basada en la copia de obras clásicas y la asimilación de sus principios, impulsada por descubrimientos como el Laocoonte.

El Grand Tour y la formación del gusto

En la segunda conferencia del ciclo Hispania romana, el catedrático de Arqueología Carlos Márquez recorre una ciudad ideal de Hispania para descubrir la presencia y la función de la escultura en sus diferentes espacios: el ámbito urbano, las tumbas, el foro o los templos. En ellos se representaba el ideario estético y político difundido por la capital, Roma, así como el culto imperial promovido por el emperador Augusto. Para concluir, se analizan también las artes decorativas –pintura y mosaicos– en el ámbito doméstico.

El arte hispanorromano

En la cuarta y última conferencia del ciclo “La figura humana en la Antigüedad”, el profesor del Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid Jorge Tomás García analiza la representación de la figura humana en la cultura artística romana, exponiendo –también a través de las evidencias textuales de Virgilio, Horacio o Cicerón– cómo los romanos buscaron emular los modelos griegos, aunque con un lenguaje e identidad propios. El conferenciante incide en exponer la época republicana, donde las tradiciones romanas aristocráticas eran representadas con rasgos particulares, en contraposición con la época imperial, en la que se adoptó un lenguaje filohelénico más idealizado y canonizado, cuyo modelo corporal estaba basado en una anatomía armoniosa y un lenguaje gestual decoroso, encarnando las virtudes políticas, como la figura femenina de la puditicia. Para concluir, repasa la destrucción y el retallado de bustos de esculturas y relieves romanos como práctica de la damnatio memoriae.

La figura humana en el arte romano. El poder de la imagen.

En la tercera conferencia del ciclo “La figura humana en la Antigüedad”, la profesora emérita de la Universidad Complutense de Madrid y arqueóloga Teresa Chapa Brunet hace un recorrido por las representaciones humanas en el mundo ibérico, prestando especial atención a las variaciones en función del tiempo, como la aparición de grandes joyas y ricos ropajes en las esculturas aristocráticas y, posteriormente, la profusión de exvotos –en forma de miniaturas– que consistían en autorrepresentaciones de la sociedad ibérica en situaciones cotidianas y festivas. A pesar de la destrucción de la mayoría de las esculturas, la conferenciante analiza ejemplos procedentes de túmulos funerarios y santuarios demostrando que los tipos femenino y masculino se representaban paralelamente, diferenciados por la vestimenta y el movimiento.

Los iberos y la imagen de la figura humana

En la segunda conferencia del ciclo La figura humana en la Antigüedad, la catedrática de Arte Antiguo Carmen Sánchez Fernández explica la invención de la imagen desnuda de la figura humana por el mundo griego antiguo. A través de un recorrido por las imágenes escultóricas realizadas en la Grecia clásica, la conferenciante incide en la importancia de la mirada pública sobre el desnudo heroico masculino y cómo este reproducía los ideales griegos de la exaltación de la juventud, el deporte, la valentía y la muerte bella; mientras que el desnudo femenino representaba el modelo de la diosa Afrodita. También destaca el concepto de diartrosis, o separación de las partes, en referencia a la construcción y articulación irreal y estetizada de la imagen masculina mediante la representación deformada de ciertas partes del cuerpo, como el pliegue inguinal, los abdominales, las rodillas o las hendiduras de la espalda.

La invención del cuerpo en la Grecia antigua

En esta primera conferencia del ciclo “La figura humana en la Antigüedad”, el profesor de Historia Antigua y especialista en Egiptología José Ramón Pérez-Accino aborda cómo la inmutabilidad de la representación de la figura humana en el Egipto antiguo responde a los cánones visuales de los signos jeroglíficos. Situando el origen de los jeroglíficos en la teología menfita y recurriendo a varios ejemplos de estelas funerarias, el conferenciante demuestra la continuidad en el tiempo –conforme a la prolongación del sistema de escritura jeroglífica– del sentido intencionalmente bidimensional y estático de las imágenes humanas, donde el texto jeroglífico está incorporado en la imagen. A modo de conclusión y comparando varios ataúdes egipcios de diferentes periodos, el final de la representación jeroglífica corresponde con la tendencia hacia al antropomorfismo y la aparición de retratos realistas como las caras de El Fayum.

Figuras divinas. Lecturas y comprensión del cuerpo humano en el Egipto antiguo

En la tercera conferencia del ciclo Una historia de la escultura. Relatos de una anomalía, la profesora titular de Historia del Arte y exdirectora del Museo Nacional de Escultura María Bolaños explora la importancia que el cuerpo humano y su representación escultórica alcanzó durante el periodo que discurre entre el Renacimiento y la Ilustración, desde la “euforia anatómica” que recorrió los talleres de los primeros renacentistas hasta el uso barroco del imaginario corporal como estímulo de la devoción religiosa.

La figura humana en la escultura del Renacimiento y el Barroco

En esta conferencia del ciclo Etruscos, la catedrática de Arte Antiguo Carmen Sánchez Fernández reconstruye –a través de pinturas, sarcófagos, ajuares de tumbas y demás objetos– la imagen legada por esta cultura acerca de las mujeres etruscas. A diferencia de las mujeres griegas y romanas, las etruscas aparecen representadas participando en banquetes y ceremonias públicas junto con sus parejas y, asimismo, eran identificadas con su nombre propio, que mantenían después del matrimonio. Pese a ello, como señala la conferenciante, no hay que obviar que los hombres etruscos eran quienes ostentaban el poder y la posibilidad de una igualdad entre sexos, o incluso de un matriarcado, no puede demostrarse.

Las mujeres etruscas

Historia del arte

Entrevista de Eva Sandoval al director del programa de música de la Fundación Juan March, Miguel Ángel Marín, y al director de Museos y Exposiciones de la Fundación Juan March, Manuel Fontán, previa al concierto extraordinario “Cuartetos y retratos, Boccherini y Goya”, transmitido por Radio Clásica de RNE.

Goya, Brunetti y Boccherini: retratos y cuartetos

Al mismo tiempo que Goya ejercía como pintor de cámara de Carlos IV, un italiano, Gaetano Brunetti, era nombrado compositor de cámara del monarca. Dos años después de la muerte del músico, Goya pintaría el retrato colectivo La familia de Carlos IV (1800). La serenidad que transmite esta escena de familia resulta análoga a la armonía que emana de los cuartetos que Brunetti compuso a lo largo de dos décadas para ser escuchados por esta misma familia.

Brunetti y Goya: Cuarteto L 185 y La familia de Carlos IV

Acerca de la exposición digital Típicos retratos

Los inicios y la influencia de su madre en la vocación artística, los referentes en la pintura y la importancia de factores como la experiencia, el descubrimiento y la tensión son varios de los temas tratados por el pintor gaditano Hernán Cortés. Artista destacado en la técnica del retrato, expone las motivaciones, el proceso y las decisiones que han determinado el carácter de los cuadros dedicados a destacadas personalidades como Pedro Laín Entralgo, Dámaso Alonso, Severo Ochoa, John Elliott o los siete padres de la Constitución. Para mejorar la sociedad, propone cultivar la mirada a nuestro alrededor, más sentido ético y más sentido del humor.

Hernán Cortés: mirar con respeto y devoción

Exposición que por primera vez muestra al público diez óleos sobre lienzo del pintor veneciano Giovanni Domenico Tiepolo, hijo de Giambattista y hermano de Lorenzo, los tres miembros de una saga familiar de artistas que se desplazaron a Madrid en 1762 con la tarea principal de decorar al fresco varios techos del Palacio Real. Procedentes de una colección particular, y concebidos con toda probabilidad como una serie, se trata de diez retratos, dos masculinos y ocho femeninos, realizados durante la etapa española del artista, probablemente en torno a 1768, y representan a tipos genéricos pertenecientes a un determinado grupo social, económico o intelectual.

Giandomenico Tiepolo. Diez retratos de fantasía

A partir de los años centrales del siglo XVIII la estampa satírica y la caricatura alcanzaron en Gran Bretaña un desarrollo sin precedentes gracias a la obra de William Hogarth (1697-1764). Partiendo de la doble tradición de la sátira política de los Países Bajos y de la caricatura italiana y contando con un grado de libertad política superior al del continente, el grabado satírico inglés logró una gran difusión y, junto con el retrato y el paisaje, forma el trípode fundamental de la tradición plástica británica. Lo explica Javier Docampo.

La caricatura británica del siglo XVIII y William Hogarth

"Con una conferencia del historiador del arte Klaus Gallwitz, el pasado 7 de marzo se inauguró en la Fundación Juan March la exposición de 34 obras del artista alemán Max Beckmann (Leipzig, 1884 - Nueva York, 1950). El profesor Gallwitz, con cuyo asesoramiento se ha realizado la muestra, es autor del estudio sobre el pintor y de los comentarios a las obras que recoge el catálogo.Las obras de la muestra, realizadas a lo largo de 45 años de trabajo, de 1905 a 1950, año de la muerte de Beckmann, proceden de más de veinte museos y coleccionistas de Europa y de Estados Unidos. La exposición estará abierta en la Fundación Juan March hasta el próximo 8 de junio.El catálogo de la exposición incluye el citado estudio del profesor Klaus Gallwitz, titulado «Un color diferente a los demás: el negro. Sobre la pintura de Max Beckmann»; «Sobre mi pintura» (Discurso leído por Beckmann el 21 de julio de 1938 con ocasión de la exposición «Arte alemán del siglo XX»,en las New Burlington Galleries de Londres); y dos discursos pronunciados por el artista, en 1947 y en 1950, en la Universidad Washington de St. Louis; junto con una «Autobiografía» del pintor; una biografía y comentarios a las obras expuestas. En páginas siguientes se reproduce un extracto del estudio de Klaus Gallwitz, recogido en el catálogo.En el acto inaugural pronunció unas palabras el presidente de la Fundación, Juan March Delgado"

Sobre la pintura de Max Beckmann

"Durante el mes de abril puede verse en la sede de la Fundación Juan March la exposición de 121 obras del pintor ruso Alexej Jawlensky (1864-1941), que se inauguró el pasado 27 de marzo. La muestra ha sido organizada con la colaboración de la familia Jawlensky y de su Archivo formado por Maria Jawlensky, nuera del artista, y de sus nietas Lucia y Angélica, que son las comisarias de la presente exposición.Han colaborado también en la realización de la exposición el Museo de Wiesbaden y el Lenbachhaus, de Munich, y sus respectivos directores, Volker Rattemeyer y Helmut Friedel. La muestra estará abierta en la sede de la Fundación Juan March hasta el próximo 14 de junio.Las 121 obras que ofrece esta retrospectiva proceden de diversos museos y galerías de Alemania, Inglaterra, Suiza, Holanda y Estados Unidos, y abarcan desde 1893 hasta 1937, tres años antes de su muerte: 44 años de trabajo de Jawlensky, uno de los pintores rusos más destacados del siglo XX. Esta retrospectiva ofrece desde sus primeros retratos de 1895 hasta sus últimas Meditaciones de 1937. Alexej Jawlensky, que hizo del color su más poderoso medio de expresión, es uno de los principales creadores de los iconos modernos, expresados en diferentes series que tanta influencia ejercieron en la plástica contemporánea.Una de las nietas del artista, Angélica Jawlensky, pronunció la conferencia inaugural de la muestra y es autora del texto que sobre la obra del artista recoge el catálogo de la exposición."

Inauguración de la exposición Alexej von Jawlensky

"Hasta el 28 de abril seguirá abierta en la Fundación Juan March la Exposición «Picasso: retratos de Jacqueline», con 112 obras realizadas por el pintor en los últimos veinte años de su vida. La muestra, que durante el primer mes de exhibición ha sido visitada por un total de 35.000 personas, ofrece 52 cuadros, 18 esculturas y maquetas, 16 dibujos y 26 grabados, y ha sido organizada por la Fundación Juan March y el Museo Picasso de Barcelona, con la colaboración de la hija de Jacqueline, Catherine Hutin-Blay.Al acto inaugural, el pasado 4 de febrero, asistieron el entonces Ministro de Cultura, Jorge Semprún; el Alcalde de Barcelona, Pascual Ma-ragall; y el Presidente y Vicepresidente de la Fundación, Juan y Carlos March. Seguidamente la directora del Museo Picasso de Barcelona, María Teresa Ocaña, pronunció una conferencia"

La modelo que nunca posó

Heinz Spielman, reputado especialista en la obra del artista austriaco Oskar Kokoschka, presenta la exposición que reúne 200 de sus obras y hunde sus raíces en 70 años de su trabajo creador. Se trata la primera exposición celebrada en España de su extensa obra.

Acerca de la exposición digital Típicos retratos. Una historia del rostro en quince representaciones

Enrique Baquedano y José Manuel Matilla, entrevistados por Ramón González Ferriz

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