Desde los títeres clásicos hasta los creados con plastilina, los muñecos han sido un ingrediente singular en el mundo de los dibujos animados. Esta animación de afables muñecos ha estimulado miles de sueños infantiles, pero también ha originado un mundo mucho más siniestro que pareciera su reverso de pesadilla. El concierto de Clare Hammond sobre una animación de los hermanos Quay sirve de base para el análisis que presenta esta conferencia previa al concierto "Musica, fantamas y susurros", del ciclo Música visual a cargo del músico y cineasta Ricard Carbonell i Saurí.

Como presentación al concierto "Leonardo da Vinci: la música de lo invisible", del ciclo Música visual, la especialista en Leonardo da Vinci Marta Pérez de Guzmán nos habla de Leonardo da Vinci, un polímata que cultivó diferentes artes y oficios que lo mantienen vigente siglo tras siglo. A lo largo de su vida, también hizo valiosas aportaciones en el campo de la música. De hecho, Leonardo fue un excelente músico, considerado el mejor improvisador y tañedor de viola de su época. Además, diseñó ingeniosos instrumentos musicales y consiguió ver el sonido a través de sus estudios de acústica. Esta conferencia explica algunos elementos del mundo musical de Da Vinci, al tiempo que sirve como introducción al concierto de I Fagiolini.

Leonardo da Vinci y la música

Leonardo da Vinci desarrolló su talento a través de innumerables oficios. Pero una de sus biografías ya señalaba que su primer trabajo fuera de Florencia había sido el de músico. Este concierto explica la conexión entre algunas creaciones de Leonardo y distintas composiciones musicales, una interrelación que incita a contemplar su arte a través del sonido.

Leonardo da Vinci a través de la música

El 2 de enero de 1911 comienza uno de los encuentros creativos más intensos del siglo XX. Aquel día, Vasili Kandinsky asiste en Múnich a un concierto de obras de Arnold Schoenberg, entre ellas, las Tres piezas para piano op. 11. Bajo el impacto de la velada, Kandinsky pinta su Impresión III (Concierto) y escribe a Schoenberg –a quien no conoce personalmente– una carta. En ella le confiesa que ha encontrado en su música lo que él buscaba en su pintura. Esta conferencia de Guillermo Solana, director artistico del Museo Nacional Thysen-Bornemisza, —que precede el concierto "Kandinsky y la trinidad musical", dentro del ciclo Música visual— desgrana la relación personal y artística entre estos dos autores fundamentales de la vanguardia y las consecuencias para sus poéticas creativas.

Kandinsky y Schoenberg, música y pintura

Las conexiones entre música y pintura encontraron en la Viena de las vanguardias históricas un terreno de fértil creatividad. Este concierto propone la contemplación emparejada y simultánea de composiciones de Arnold Schoenberg y Anton Webern y cuadros de Wassily Kandinsky y Piet Mondrian. Un intercambio de percepciones que desvela nuevos significados.

Webern y Schoenberg pintan para Mondrian y Kandinsky

El desarrollo de proyectos artísticos con vídeo es hoy una realidad recurrente. Las perspectivas de la creación musical actual se han expandido a través de un uso ya generalizado de la imagen. Lo interdisciplinar no es solo marca de los tiempos, sino esencia de un pensamiento y una creación actuales que desde hace mucho han difuminado los bordes de las antiguas disciplinas artísticas. Esta conferencia del compositor José María Sánchez-Verdú —que precede al concierto "Sinergias: arte visual y arte sonoro", del ciclo Música visual— analiza las distintas vertientes de este estimulante diálogo entre imagen y música a partir de cuatro composiciones de Alberto Bernal, Helga Arias, José María Sánchez-Verdú y Lisa Liz.

Caminos e interacciones entre la música y el vídeoarte

Federico Jusic, reconocido compositor de música para cine, presenta su particular visión sobre la vivencia de una escena cinematográfica marcada por una música que completa su significado, como introducción al concierto "Trampantojos sonoros: músicas para una imagen", dentro del ciclo Música visual. Una experiencia que, en sus palabras, es a la vez profunda y peligrosa. Por un lado, sumerge al espectador en un viaje emocional que –para bien y para mal– le llega directamente a las tripas; por otro, el plano de percepción de la relación entre música e imagen es insonciente y, por tanto, queda fuera del control del espectador.

El impacto musical en el cine

Como presentación al concierto "Amanecer con la música antigua" del ciclo Música visual, el crítico musical y traductor Luis Gago conversa con el pianista Francesco Tristano acerca de su nueva propuesta musical, donde tan importante es la interpretación de la música como su presentación visual. La génesis del proyecto del músico luxemburgués fue la contemplación diaria del amanecer desde los primeros días posteriores al confinamiento en la primavera de 2020. El resultado del experimento es una experiencia inmersiva: la música no solo se oye, sino que, también, se ve o, mejor aún, se siente, porque las sensaciones que provoca el amanecer van mucho más allá de la luz y su infinita gama de colores.

Entrevista a Francesco Tristano

Como preludio al séptimo concierto del ciclo "Música visual", el periodista Luis Martín entrevista a sus protagonistas: el pianista Moisés P. Sánchez –que interpretará su creación libre de dos famosas sonatas para piano de Beethoven– y el videocreador Pedro Chamizo. El diálogo trata sobre las fronteras entre la música y el vídeo arte y el espacio de creación compartida que subyace en este singular concierto de música visual. 

Improvisar con videocreación: otro Beethoven es posible

Pocos compositores han dejado una huella tan profunda como Beethoven, que ha sido objeto de continuas reinterpretaciones. Este concierto presenta las versiones libres y extendidas de dos de sus sonatas más emblemáticas: la Sonata op. 13, “Patética”, y la Sonata op. 27 nº 2, “Claro de luna”, que son acompañadas por un diseño de imágenes en movimiento creado para este concierto. Nuevos significados, hasta ahora ocultos, emergen de esta música inagotable.

Beethoven reinterpretado en imágenes

La variación fue para Beethoven y Schubert un espacio privilegiado de invención. A partir de un vals trivial de Anton Diabelli, Beethoven construyó una de las arquitecturas más monumentales del piano, síntesis de rigor formal y fantasía. Mientras que Schubert aporta también una respuesta concentrada al mismo tema, su experimentación se orientó más hacia formas libres, como ejemplifican las Drei Klavierstücke D 946, que despliegan una libertad cercana a la improvisación.

Formas en libertad

Integrado en el ciclo In memoriam, este programa invita a escuchar cómo unas músicas nacen de otras. El concierto está articulado en distintos bloques y presenta obras dispuestas en parejas o constelaciones unidas por vínculos de homenaje, evocación o influencia. De Couperin a Ligeti, se teje una red de resonancias compartidas que atraviesan estilos y periodos diversos.

Adieu (à la mémoire de)

Tres obras de madurez, cada una con rasgos propios, muestran cómo Beethoven y Schubert cultivaron en paralelo el trío con piano como un género de experimentación. Si la op. 70 beethoveniana supone un salto trascendental con respecto a todo el repertorio anterior, Schubert se adentró con sus dos tríos de ultimísima época en una escritura camerística de envergadura casi orquestal, al tiempo que pródiga en episodios de enorme lirismo e intimidad.

El trío en transformación

Compuesta durante la Cuaresma de 1727 y estrenada el Viernes Santo de ese mismo año en Leipzig, La Pasión según san Mateo de Johann Sebastian Bach contiene una de las plegarias más contritas de la historia de la música europea: Erbarme dich, mein Gott. Tomando prestado este título, Ayres Extemporae inaugura la temporada de Jóvenes Intérpretes 2026-2027 con un programa que ilustra el sacramento de la reconciliación con una selección de músicas que recorre desde el tormento hasta la paz de espíritu.

Ayres Extemporae

Desde el siglo XVII, el tombeau se convirtió en una de las formas más elocuentes de honrar a un difunto homenaje musical. Clavecinistas como Louis Couperin o Johann Jakob Froberger escribieron estas piezas fúnebres en memoria de maestros, amigos o monarcas, con una música despojada y rica en simbolismo para expresar el dolor. Este concierto inaugural del ciclo In memoriam recorre una selección de lamentos y meditaciones donde la música transforma la ausencia en memoria sonora.

Tombeaux, músicas de duelo

Este concierto contrapone concepciones musicales diversas de la ausencia del ser amado en un auténtico crescendo emocional. La figura de la amada lejana, idealizada y añorada, se convierte en el eje poético compartido, desde premisas diferentes, por Beethoven y Schubert. Con su op. 98, el alemán creó, además, el primer ciclo de canciones interrelacionadas y no desgajables del resto, un nuevo concepto que Schubert, mucho más afín al medio, llevaría luego a su esplendor.

Anhelos de la amada

Estrenada en 1653 en el Coliseo del Buen Retiro, Andrómeda y Perseo constituye uno de los hitos fundacionales del teatro musical español. Esta fábula mitológica congregó a los mayores ingenios de la corte —el dramaturgo Pedro Calderón de la Barca, el escenógrafo Baccio del Bianco y, probablemente, el compositor Juan Hidalgo— en una ambiciosa empresa para celebrar la recuperación de la reina Mariana de Austria. Esta recuperación devuelve a la escena una página de gran riqueza simbólica, donde el libreto calderoniano despliega una compleja red de significados y alegorías.

Andrómeda y Perseo, una joya recuperada

Estrenada en 1653 en el Coliseo del Buen Retiro, Andrómeda y Perseo constituye uno de los hitos fundacionales del teatro musical español. Esta fábula mitológica congregó a los mayores ingenios de la corte —el dramaturgo Pedro Calderón de la Barca, el escenógrafo Baccio del Bianco y, probablemente, el compositor Juan Hidalgo— en una ambiciosa empresa para celebrar la recuperación de la reina Mariana de Austria. Concebida como una operación de diplomacia cultural para reforzar los vínculos entre las ramas española y austríaca de los Habsburgo, sorprende que la obra no haya vuelto a ser representada hasta hoy. Esta recuperación devuelve a la escena una página de gran riqueza simbólica, donde el libreto calderoniano despliega una compleja red de significados y alegorías. La presente versión dramatúrgica condensa su espectacular aparato barroco en un lenguaje escénico esencial que apela a la imaginación del espectador. Con este título, el formato de Teatro Musical de Cámara se adentra por primera vez en el repertorio escénico del siglo XVII.

En paralelo, se ofrecerá un ciclo de conferencias: <a data-cms-link data-cms-link data-cms-link data-cms-link href="https://www.march.es/es/madrid/calderon-barca-vida-escenarios">Calderón de la Barca: vida y escenarios</a>, los días 6 y 8 de octubre.

Andrómeda y Perseo de Calderón de la Barca y Juan Hidalgo

La Fundación Juan March presenta su programación de conciertos para la temporada 2026-27, formada por cerca de 160 conciertos articulados en ciclos y proyectos que incluyen ópera, danza, ciclos de conciertos, jazz y conciertos didácticos. Intervienen en el acto Catalina March, presidenta de la Fundación Juan March; Javier Gomá, director de la institución; Miguel Ángel Marín, director de su programa de música; Álvaro Tato, dramaturgo; Aarón Zapico, director musical y clavecinista; Nuria Castejón, directora de escena y Sam Arribas y Andrea Santos, actores de la 7ª Joven CNTC. 

Presentación de la temporada de conciertos 2026-27

Este disco es una masterización del concierto que el Cuarteto Kuss ofreció en la Fundación Juan March de Madrid el 8 de abril de 2026. Recoge la primera grabación mundial de los Cuartetos núms. 11 y 12 de Conrado del Campo (1878-1953), uno de los compositores españoles más originales y desconocidos de la primera mitad del siglo XX. Esta grabación forma parte del denominado Proyecto Conrado. Iniciado en 2021, esta ambiciosa iniciativa tiene el objetivo de programar, por primera vez, el corpus completo de sus trece cuartetos de cuerda y publicar la edición integral de las partituras, casi todas inéditas, junto con las grabaciones incluidas en el sello MarchVivo. Esta iniciativa promueve la recuperación de este repertorio tan injustamente olvidado.

Conrado del Campo String Quartet Nos. 11&12

Música

Así ama la mujer (Sadie Mckee, 1934, EE. UU.), de Clarence Brown, con Joan Crawford, Gene Raymond, Franchot Tone y Edward Arnold. 
 
Presentador: Carlos F. Heredero

Sadie Mackee (Joan Crawford) renuncia a su trabajo como empleada de una familia adinerada de Nueva York para iniciar una nueva vida junto a su novio Jack (Gene Raymond), el cual la termina abandonando por una actriz. Las duras circunstancias en las que Sadie se ve sumida le impulsan a buscarse la vida en un club nocturno, donde conoce a un millonario alcohólico. Esta adaptación del relato corto Pretty Sadie Mckee (1933) de Viña Delmar, también coguionista, fue una de las primeras películas que abordó el alcoholismo desde una perspectiva crítica.

El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

Así ama la mujer (1934) de Clarence Brown

El doctor etnomusicólogo y pegadogo Nacho Martín-Vivaldi presenta el séptimo y último concierto del ciclo Black Musics, que se adentra en la tradición griótica del África Occidental, especialmente entre los mandinga de Senegal, Gambia o Guinea. En las lenguas mandinga, bambara y wólof, estas canciones preservan la historia y los valores de una comunidad transmitidos por músicos y narradores. La palabra “jalikunda” designa el hogar donde los griots cuentan y cantan relatos de esa memoria colectiva forjados sin autoría conocida por la tradición oral.

En la tierra de griots: donde los cantos cuentan

Tú eres mío (Hold Your Man, 1933, EE. UU.), de Sam Wood, con Jean Harlow, Clark Gable, Stuart Erwin, Dorothy Burgess y Muriel Kirkland. 
 
Presentadora: Andrea G. Bermejo

Ruby (Jean Harlow), una mujer audaz y rebelde, se encuentra inesperadamente con Eddie Hall (Clark Gable), un ladrón estafador con encanto y un pasado lleno de sombras. Lo que comienza como un encuentro fortuito evoluciona en una historia de amor marcada por el caos, la atracción y la redención. El guion de la película fue concebido y desarrollado por Anita Loos, célebre por su novela Los caballeros las prefieren rubias (1925).

El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

Tú eres mío (1933) de Sam Wood

El doctor en Ciencias de la Música Polo Vallejo presenta el sexto concierto del ciclo Black Musics, que muestra la vitalidad del piano en la moderna creación musical africana. La imagen convencional que tiene Occidente de la música africana ha eclipsado a las obras destinadas a la sala de conciertos. Obras compuestas por autores de Nigeria, Ghana, Marruecos, Etiopía y Argelia dan fe de la singularidad sonora de este continente, fruto de la simbiosis entre los ritmos autóctonos y la tradición europea.

África viva y sonora: pianismo africano

Ex-Lady (1933, EE. UU.), de Robert Florey, con Bette Davis, Gene Raymond, Frank McHugh y Monroe Owsley.

Presentadora: Jara Yáñez

La artista Helen Bauer (Bette Davis) disfruta de su independencia, de su éxito profesional y de su aventura romántica con el publicista Don Peterson (Gene Raymond), el cual trata de convencerla para contraer matrimonio. Ella, sin embargo, se resiste a plegarse a las convenciones sociales, ya que sostiene que el matrimonio deteriora el amor. El guion de esta película es una adaptación del de Ilícito (1931), cinta estrenada dos años antes con Barbara Stanwyck como protagonista.

El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

Ex-Lady (1933) de Robert Florey

El periodista Luis Martín presenta el quinto concierto del ciclo Black Musics, que rinde homenaje a dos intérpretes esenciales en la historia del soul, un género nacido del cruce entre góspel, blues y jazz. Aretha Franklin, “La reina del soul”, y Nina Simone, “La suma sacerdotisa del soul”, conjugaron virtuosismo vocal y compromiso social. Sus voces –personales, poderosas, adictivas– ampliaron los límites expresivos del canto afroamericano, que supieron revestir de una profunda carga emocional y política.

Damas del soul: Aretha Franklin y Nina Simone

Casada por azar (No Man of Her Own, 1932, EE. UU.), de Wesley Ruggles, con Clark Gable, Carole Lombard y Dorothy Mackaill.

Presentador: Luis E. Parés

Jerry (Clark Gable) es un timador que se encapricha de Connie (Carole Lombard), una chica de pueblo que trabaja como bibliotecaria. Tras una apuesta, Jerry accede a contraer matrimonio con Connie, pero ella no tardará en descubrir la auténtica identidad de su marido. El filme de 1932 fue estrenado sin censura, hecho que provocó en Jason Joy (férreo censor del cine Pre-Code), especial aversión por el carácter exhibicionista de la película. Clark Gable y Carole Lombard fueron una de las parejas más legendarias del cine de Hollywood.

El sábado se proyecta el vídeo de la presentación del día anterior.

Casada por azar (1932) de Wesley Ruggles

El musicólogo Javier Marín presenta el cuarto concierto del ciclo Black Musics, "Villancicos barrocos de negro". Este género conforma una manifestación barroca paralitúrgica que revela la presencia africana en la cultura ibérica de los siglos XVII y XVIII. Surgidos en Portugal y España, y muy difundidos posteriormente en las iglesias de las colonias, estos repertorios funden devoción y teatro popular, además de estar impregnados de una fuerte carga simbólica.

Villancicos de negro en el Siglo de Oro ibérico

El musicólogo Iván Iglesias presenta el tercer concierto del ciclo Black Musics, "Boogie-woogie a dos pianos". En él, se propone un recorrido por la negritud y la música, con el foco en una de las formas pianísticas más emblemáticas de la música afroamericana. Con su origen en el blues, el boogie-woogie desarrolló una escritura virtuosística para el teclado que convirtió al piano en un instrumento a un tiempo melódico y percutivo, afirmando así identidad y personalidad rítmica en clave urbana.

La animación oculta. El cine de los hermanos Quay

Ricard Carbonell i Saurí

Música

Presentaciones