El Coro de Voces Graves de Madrid, con dirección de Juan Pablo de Juan, interpreta tres himnos de Mesomedes de Creta: Invocación a Calíope y Apolo, Himno a Helio e Himno a Némesis, compuestos en el siglo II. El profesor Luis Calero Rodríguez introduce y comenta las obras.

En esta conferencia del ciclo dedicado al teatro griego, la catedrática de Historia Antigua, Ana Iriarte, analiza las consecuencias políticas y sociales que supuso el teatro, que se convirtió en un medio de reflexión sobre los valores y las contradicciones de su sistema político, así como de sus normas sociales y prácticas religiosas.

El teatro ático: debate político y emotividad

Esquilo (525-456 a. C.) es caracterizado por Carlos García Gual, catedrático emérito de Filología Griega de la Universidad Complutense de Madrid, como "el más grande de los trágicos y quien dio a la tragedia su solemnidad y su fuerza" –como pensaba también Aristóteles–. Autor destacado por la profundidad de su pensamiento filosófico y teológico, de su producción dramática se conservan únicamente siete tragedias, todas de temática mítica y con la excepción de Los persas de tema histórico. Sobre esta última obra, el conferenciante insiste en la idea de empatía hacia los vencidos por los griegos; el propio Esquilo participó en la contienda de Maratón (490 a. C.), circunstancia que sería decisiva para la redacción de la tragedia.

El Teatro Griego: Esquilo (525-456)

En esta conferencia del ciclo dedicado al teatro griego, el catedrático de Filología Griega de la Universidad Nacional de Educación a Distancia, José María Lucas, analiza la obra de Sófocles, que fue el gran creador de una técnica teatral ejemplar, porque sus tragedias están construidas milimétricamente.

Sófocles: un eslabón fundamental en la consolidación de la tragedia griega y occidental

En esta conferencia del ciclo dedicado al teatro griego, el catedrático de Filología Griega de la Universidad Complutense de Madrid, Antonio Guzmán Guerra, analiza la influencia que algunos sofistas ejercieron sobre el pensamiento de Eurípides y el carácter racionalista de su teatro.

El teatro de Eurípides: revisión de algunas estrategias dramáticas

El catedrático de Filología Griega de la Universidad Complutense de Madrid, Fernando García Romero, analiza la comedia griega antigua, exponiendo la temática y los recursos del género –como son el uso del lenguaje, el insulto, la parodia y la crítica política–. La conferencia recorre la evolución de la comedia en la Grecia antigua, desde su origen ritual hasta llegar a la "comedia nueva" de Menandro, tomando como modelo las once comedias conservadas de Aristófanes (c. 444-385 a. C.).

Teatro griego: La comedia de Aristófanes

La actriz Manuela Paso interpreta el fragmento final de Antígona de Sófocles, en versión y dirección de Miguel del Arco, en el marco de la conferencia “Representación y puesta en escena en el teatro griego” celebrada el 30 de octubre de 2018 en la Fundación Juan March. El montaje teatral original fue estrenado en 2015 en elTeatro de La Abadía de Madrid, como parte del proyecto de Teatro de la Ciudad.

Antígona de Sófocles, monólogo final

El catedrático emérito de Filología Griega, Carlos García Gual, dialoga con el director y dramaturgo Miguel del Arco sobre la actualidad de la representación del teatro griego. A partir de su experiencia en proyectos como el Teatro de la Ciudad y como director en montajes como Antígona (2015) –a partir del original de Sófocles–, Del Arco expuso varias de sus reflexiones acerca de la adaptación contemporánea de los textos y la puesta en escena de la tragedia griega, en asuntos como la actuación o la caracterización de los personajes. La sesión se completa con la lectura dramatizada y representación de fragmentos de las Bacantes de Eurípides y Antígona de Sófocles, a cargo de los actores Manuela Paso y José Luis Martínez.

Representación y puesta en escena en el teatro griego

La espectacularidad del teatro de Calderón de la Barca representa la culminación del modelo dramático del Siglo de Oro. En la segunda conferencia del ciclo “Calderón de la Barca: vida y escenarios”, el catedrático de la Universidad de Navarra y director del Grupo de Investigación Siglo de Oro (GRISO), Ignacio Arellano, examina los mecanismos dramáticos presentes en el teatro de corte y los autos sacramentales calderonianos, coincidentes en su gran riqueza visual y auditiva, aunque con grandes diferencias en la puesta en escena y en el sentido de los textos.

El escenario cósmico de Calderón: fiestas sacramentales y palaciegas

Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600-1681) decidió pronto dedicarse a la escritura, contraviniendo las expectativas familiares de seguir una carrera religiosa. En la primera conferencia del ciclo “Calderón de la Barca: vida y escenarios”, el catedrático de Literatura Española (UCLM), Felipe B. Pedraza Jiménez, recorre los años del joven Calderón, sus inicios en el mundo literario y los primeros éxitos teatrales, que acabarían convirtiéndolo en uno de los grandes dramaturgos del Siglo de Oro. Esta conferencia incluye lecturas dramatizadas a cargo de Ana Ruiz y Alex Gadea.

El joven Calderón (1600-1630)

El teatro de Antonio Buero Vallejo (1916-2000) transita del realismo al simbolismo, lo misterioso y la relectura de la historia a través de figuras como Velázquez, Goya o Larra. Desde la denuncia social en Historia de una escalera hasta las reflexiones existenciales de La fundación, su dramaturgia trágica se distingue por una mirada esperanzada. Javier Huerta Calvo, catedrático de Literatura Española, ofrece esta segunda conferencia sobre el autor, acompañada de lecturas dramatizadas a cargo de los actores Marta Poveda y David Luque.

Antonio Buero Vallejo: un teatro para el siglo XXI

Esta conferencia recorre la trayectoria vital y artística de Antonio Buero Vallejo (1916-2000) en tres actos: sus primeras influencias, los inicios como pintor y los años de prisión; su consolidación como dramaturgo; y, por último, el reconocimiento institucional y su legado. El catedrático de Literatura española Javier Huerta Calvo analiza varias claves del teatro de Buero Vallejo, como las dificultades con la censura y el papel de sus colaboradores teatrales: directores, escenógrafos y actores, con una mención especial a la actriz Victoria Rodríguez, con quien el dramaturgo se casó en 1959.

Buero Vallejo: la forja de un dramaturgo

Entrevista de Mario Mora, pianista y comunicador, a Juan Carlos Pérez de la Fuente, director del Teatro Fernán Gómez, previa al segundo concierto del ciclo Cerrar los ojos transmitida por Radio Clásica de RTVE.

La ceguera y la oscuridad en el teatro

Durante 400 años, nadie se ha atrevido a representar “La casa de los celos y selvas de Ardenia". Y es por algo. Grandes expertos consideraban esta comedia de Miguel de Cervantes un disparate; la crítica se cebó con ella tras su publicación y varios profesionales del teatro confirmaron que la puesta en escena era inviable. Pero se impuso la sensación de que esta obra de Cervantes –el escritor más universal de la lengua española– no podía permanecer en el olvido. En la Fundación Juan March, un equipo liderado por Ernesto Arias se propuso representarla por fin en el circuito profesional, como parte de la iniciativa “Dramaturgo invitado”. Este documental cuenta su incursión en las selvas de una comedia cervantina olvidada.  

De aventuras están llenas estas selvas

Esta sesión está dedicada al montaje teatral de la comedia La casa de los celos y selvas de Ardenia de Miguel de Cervantes, primer proyecto escénico del nuevo formato “Dramaturgo invitado” de la Fundación Juan March. El catedrático de Literatura española Pedro Ruiz Pérez analiza el texto cervantino, subrayando las novedades temáticas y la mezcla de géneros y personajes (caballeros, pastores, héroes históricos y figuras morales). A continuación, en la mesa redonda moderada por Javier Gomá Lanzón, director de la Fundación Juan March, la directora del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro Irene Pardo y los responsables de la puesta en escena –el director Ernesto Arias y la responsable de la dramaturgia Brenda Escobedo– dialogan sobre el teatro de Cervantes y la representación de esta comedia.

En torno La casa de los celos, comedia de Cervantes

El catedrático de Literatura Española Javier Huerta Calvo recorre la trayectoria de La Barraca, compañía teatral de la Universidad Central de Madrid que dirigió artísticamente Federico García Lorca desde 1932 hasta 1935. El resultado fue el primer acercamiento moderno al repertorio de los clásicos teatrales españoles, que además contó con la colaboración de pintores jóvenes –como Benjamín Palencia, Alfonso Ponce de León, José Caballero o Norah Borges– para la creación de los figurines y decorados. El legado de La Barraca fue continuado por varios “barracos” o integrantes de La Barraca: Eduardo Ugarte, Arturo Ruiz-Castillo, José Caballero y, de manera destacada, Modesto Higueras, quien fue el primer director del TEU Nacional. La conferencia está ilustrada por varias lecturas dramatizadas –a cargo del actor Nacho Sánchez– de presentaciones y fragmentos de las obras representadas por La Barraca, así como varias entrevistas a Federico García Lorca.

La Barraca: el teatro universitario de Federico García Lorca

La segunda sesión del ciclo En torno a Goldoni consiste en un diálogo del investigador Joaquín Álvarez Barrientos con el director de teatro Lluís Pasqual sobre su experiencia como adaptador y montador de varias obras del comediógrafo veneciano Carlo Goldoni (Venecia, 1707-París, 1793). Para Pasqual, Goldoni –a quien ha comparado con Mozart– es "un Chéjov iluminista, lleno de luz y de alegría", como lo definió en su <a data-cms-link data-cms-link data-cms-link data-cms-link href="https://canal.march.es/es/coleccion/lluis-pasqual-i-teatro-poetica-22175">poética</a>.Las tres obras dirigidas por Lluís Pasqual de Goldoni son: Un dels últims vespres de Carnaval (1985, "Una delle ultimate sere di carnevale" en su título original), La famiglia dell'antiquario (2007), con un reparto íntegro de actores venecianos y estrenada en la Bienal de Teatro de Venecia, y Els feréstecs (2013, "I rusteghi" en su título original).

Lluís Pasqual y el teatro de Goldoni

En la primera conferencia del ciclo En torno a Carlo Goldoni, el profesor de investigación del Consejo Superior de Investigaciones Científicas, Joaquín Álvarez Barrientos, sitúa la figura y el papel destacado de Carlo Goldoni (Venecia, 1707-París, 1793) en el teatro de su época, el denominado como "nuevo teatro" dieciochesco, para así también trazar el carácter y biografía del comediógrafo italiano.

Carlo Goldoni (1707-1793), hombre de teatro, fenómeno europeo

Teatro

La traductora y profesora Helena Cortés Gabaudan introduce y comenta varios fragmentos de la tragedia Fausto de Johan Wofgang von Goethe. La primera parte de la sesión incluye varias escenas del Fausto I: el “Prólogo en el cielo” entre Mefistófeles y Dios, el monólogo del lamento del erudito insatisfecho de Fausto, el pacto entre Mefistófeles y Fausto, los encuentros en el jardín y en la cárcel entre Margarita y Fausto y la trágica muerte de Margarita; y, a continuación, del Fausto II: fragmentos de los actos III y V –donde intervienen Helena de Troya y Fausto–, concluyendo con la muerte y salvación de Fausto en el final de la obra. La traducción al español del original corresponde a la realizada por la conferenciante y publicada en 2010.

Lectura dramatizada de textos del Fausto de Goethe, bajo la dirección de Ernesto Arias, comentada por Helena Cortés Gabaudan

La traductora y profesora titular de Lengua y Literatura Alemana en la Universidad de Vigo, Helena Cortés Gabaudan, analiza el clásico de la literatura alemana, Fausto de Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832). La tragedia, que ocupó a Goethe toda su vida, se compone de dos obras, que solo coinciden en el título, en la continuidad de la trama del pacto entre Mefistófeles y Fausto y en la presencia de los dos protagonistas: la primera, a modo de novela dramatizada, está influenciada por la corriente prerromántica del “Sturm und Drang”, mientras que la segunda, el Fausto II –donde los personajes son alegorías– reproduce los modelos formales del clasicismo y está escrita en la época de madurez de Goethe. Además de exponer varias de las influencias e interpretaciones literarias, científicas y teológicas de la obra, la conferenciante analiza el personaje de Fausto como símbolo del hombre moderno, afirmando que “lo que simboliza Fausto son las ansias desmesuradas y nunca satisfechas del ego moderno".

Fausto o la insatisfacción del hombre moderno

Himnos, de Mesomedes de Creta

La voz y la música en el teatro griego, con especial atención a la función del coro, son objeto de análisis en la conferencia del profesor Luis Calero Rodríguez. Si bien el estudio de los fragmentos musicales de la Antigüedad presenta enormes complejidades a causa de su parcialidad, es posible especular acerca del canto en las tragedias griegas antiguas a partir de los textos de varios autores –como Aristóxeno, Pseudo Aristóteles y Aristóteles–. Tras la disertación, el Coro de Voces Graves de Madrid ofrece varias interpretaciones de himnos de Mesomedes de Creta (siglo II d. C.), entre otros.

La voz y la música en el teatro griego

¿Qué teatro escribir? se pregunta Ignacio Amestoy en la conferencia "Cuando la muerte no es tragedia", en la que, inspirado en Zygmunt Bauman, reflexiona sobre la escena "líquida" –la del puro entretenimiento- y la escena "sólida"– por la que aboga- y en la que enmarca el teatro que, a modo de espejo “inquietador”, se atreve a cuestionarse todo y donde sitúa al espectador como cocreador, como ciudadano comprometido. En su diálogo con Javier Huerta Calvo reflexiona sobre la tragedia, el universo femenino, el entorno vasco, la influencia de sus maestros –Antonio Buero Vallejo–, su obra, que se (re)presenta en una pieza corta a cargo de los actores Ainhoa Amestoy y Eloy Azorín.

Cuando la muerte no es tragedia

En esta sesión del formato Poética y Teatro, el periodista, dramaturgo con más de una veintena de obras y profesor, Ignacio Amestoy (Bilbao, 1947), reflexiona sobre su trayectoria profesional abordando la relación entre su vida y su obra.

El pensamiento de Miguel de Unamuno se examina desde su alcance practico, con especial atención a la relación entre tragicismo, ética y política. Esta conferencia analiza la moral heroica fundada en la compasión y el amor creador, el imperativo de eternizar la vida y la figura del poeta civil como disidente y resistente ante el poder, el militarismo y los nacionalismos. La sesión cierra el ciclo “Filosofía y tragedia: a propósito de Miguel de Unamuno”, a cargo de Pedro Cerezo Galán.

Miguel de Unamuno: la moral heroica y la política trágica

La tensión trágica entre el todo y la nada articula una lectura de Miguel de Unamuno centrada en el utopismo y el nadismo como formas extremas de la existencia agónica. Esta conferencia analiza la ambivalencia de lo trágico, sus máscaras y paradojas, a partir de figuras como Prometeo, Don Quijote y San Manuel Bueno, mártir. En el ciclo “Filosofía y tragedia: a propósito de Miguel de Unamuno”, Pedro Cerezo Galán aborda estas figuras como dos rostros complementarios del pensamiento unamuniano.

Miguel de Unamuno: las máscaras de lo trágico, utopismo y nadismo

La existencia trágica en Miguel de Unamuno se aborda desde las ideas de escisión, conflicto y agonía, entendidas como tensión irresoluble entre finitud e infinitud, muerte e inmortalidad, razón y corazón. Esta conferencia analiza el pensamiento unamuniano en diálogo con Hegel, Kant, Nietzsche, Kierkegaard, Schopenhauer y Freud, y expone la incertidumbre como ámbito de libertad y creación. Forma parte del ciclo “Filosofía y tragedia: a propósito de Miguel de Unamuno”, con Pedro Cerezo Galán.

Miguel de Unamuno: la existencia trágica, escisión y conflicto

La relación entre razón, mal y experiencia trágica sirve para situar el pensamiento de Unamuno en la crisis de la cultura moderna y en diálogo con la tradición griega y cristiana. Esta conferencia analiza el conflicto entre filosofía y tragedia, de Sócrates, Platón y Nietzsche a Kant, Hegel y Schopenhauer, y explica la respuesta unamuniana ante el sinsentido: la apuesta moral por la creación de sentido. Pertenece al ciclo “Filosofía y tragedia: a propósito de Miguel de Unamuno” y la imparte Pedro Cerezo Galán, catedrático de filosofía de la Universidad de Granada.

Miguel de Unamuno: El mal del siglo y la vuelta de lo trágico

Tragedia

Este concierto contrapone concepciones musicales diversas de la ausencia del ser amado en un auténtico crescendo emocional. La figura de la amada lejana, idealizada y añorada, se convierte en el eje poético compartido, desde premisas diferentes, por Beethoven y Schubert. Con su op. 98, el alemán creó, además, el primer ciclo de canciones interrelacionadas y no desgajables del resto, un nuevo concepto que Schubert, mucho más afín al medio, llevaría luego a su esplendor.

Anhelos de la amada

Estrenada en 1653 en el Coliseo del Buen Retiro, Andrómeda y Perseo constituye uno de los hitos fundacionales del teatro musical español. Esta fábula mitológica congregó a los mayores ingenios de la corte —el dramaturgo Pedro Calderón de la Barca, el escenógrafo Baccio del Bianco y, probablemente, el compositor Juan Hidalgo— en una ambiciosa empresa para celebrar la recuperación de la reina Mariana de Austria. Esta recuperación devuelve a la escena una página de gran riqueza simbólica, donde el libreto calderoniano despliega una compleja red de significados y alegorías.

Andrómeda y Perseo, una joya recuperada

Estrenada en 1653 en el Coliseo del Buen Retiro, Andrómeda y Perseo constituye uno de los hitos fundacionales del teatro musical español. Esta fábula mitológica congregó a los mayores ingenios de la corte —el dramaturgo Pedro Calderón de la Barca, el escenógrafo Baccio del Bianco y, probablemente, el compositor Juan Hidalgo— en una ambiciosa empresa para celebrar la recuperación de la reina Mariana de Austria. Concebida como una operación de diplomacia cultural para reforzar los vínculos entre las ramas española y austríaca de los Habsburgo, sorprende que la obra no haya vuelto a ser representada hasta hoy. Esta recuperación devuelve a la escena una página de gran riqueza simbólica, donde el libreto calderoniano despliega una compleja red de significados y alegorías. La presente versión dramatúrgica condensa su espectacular aparato barroco en un lenguaje escénico esencial que apela a la imaginación del espectador. Con este título, el formato de Teatro Musical de Cámara se adentra por primera vez en el repertorio escénico del siglo XVII.

En paralelo, se ofrecerá un ciclo de conferencias: <a data-cms-link data-cms-link data-cms-link data-cms-link href="https://www.march.es/es/madrid/calderon-barca-vida-escenarios">Calderón de la Barca: vida y escenarios</a>, los días 6 y 8 de octubre.

Andrómeda y Perseo de Calderón de la Barca y Juan Hidalgo

La Fundación Juan March presenta su programación de conciertos para la temporada 2026-27, formada por cerca de 160 conciertos articulados en ciclos y proyectos que incluyen ópera, danza, ciclos de conciertos, jazz y conciertos didácticos. Intervienen en el acto Catalina March, presidenta de la Fundación Juan March; Javier Gomá, director de la institución; Miguel Ángel Marín, director de su programa de música; Álvaro Tato, dramaturgo; Aarón Zapico, director musical y clavecinista; Nuria Castejón, directora de escena y Sam Arribas y Andrea Santos, actores de la 7ª Joven CNTC. 

Presentación de la temporada de conciertos 2026-27

Este disco es una masterización del concierto que el Cuarteto Kuss ofreció en la Fundación Juan March de Madrid el 8 de abril de 2026. Recoge la primera grabación mundial de los Cuartetos núms. 11 y 12 de Conrado del Campo (1878-1953), uno de los compositores españoles más originales y desconocidos de la primera mitad del siglo XX. Esta grabación forma parte del denominado Proyecto Conrado. Iniciado en 2021, esta ambiciosa iniciativa tiene el objetivo de programar, por primera vez, el corpus completo de sus trece cuartetos de cuerda y publicar la edición integral de las partituras, casi todas inéditas, junto con las grabaciones incluidas en el sello MarchVivo. Esta iniciativa promueve la recuperación de este repertorio tan injustamente olvidado.

Conrado del Campo String Quartet Nos. 11&12

Testigo y actor privilegiado de la vida musical nacional e internacional durante más de medio siglo, pocas personas pueden hablar con tanto conocimiento de causa de los cambios que ha experimentado en las últimas décadas el mundo musical clásico como Alfonso Aijón. Tres personas cercanas a él, con trayectorias y perfiles muy diversos, conversarán con él sobre pasado, presente y futuro. La música, que ha sido para Aijón −como afirmaba Chopin de sus encuentros diarios con Bach al piano− su “pan cotidiano”, sonará también en vivo como complemento de las palabras.

Un encuentro con Alfonso Aijón

La folía, originaria de Portugal y hermanada con ritmos coetáneos como la chacona o la passacaglia, nació como una danza popular que llegaría a ser censurada por sus puestas en escena cargadas de hedonismo entre hombres y mujeres, acusada de ser capaz de alterar los sentidos y de pervertir las buenas costumbres. Juan del Encina dejó patente en su villancico Hoy comamos y bebamos que este estilo era carne de pecado y estableció la folía en el Renacimiento como una danza “ruidosa”, hipnótica y rápida con una estructura repetitiva de variaciones que invitaba a la improvisación.

Juan del Encina: Hoy comamos y bebamos

Jorge Luis Borges mantuvo una relación compleja con el tango: lo rechazó de joven, pero más tarde lo hizo suyo y le dedicó páginas memorables. Este concierto dramatizado, con música, danza y palabra, explora ese vínculo a partir de sus escritos y conferencias. El resultado evoca el pulso del suburbio, la violencia del compadrito y la irremediable melancolía del paso del tiempo. Impera aquí una mirada marcadamente literaria para clausurar este ciclo dedicado a las geografías musicales del tango.

Borges en el laberinto del tango

Entrevista de Mario Mora a Cristina Bordas, musicóloga, previa al concierto "Originales y arreglos en un piano histórico", del ciclo A cuatro manos. Entrevista retransmitida en Radio Clásica de RTVE.

Pleyel, Erard, Collard: los pianos de hace 200 años

Escuchar los orígenes del repertorio pianístico a cuatro manos en un instrumento de la época nos permite apreciar la elegancia desnuda de las sonatas de Burney y Mozart. Más tarde fueron los arreglos los que impulsarían la escritura a cuatro manos hacia metas y cometidos mucho más ambiciosos. La transcripción de la Sinfonía “Pastoral” de Beethoven realizada por el gran pedagogo Carl Czerny pone punto final a este ciclo con un ejemplo señero de aquella nueva y fructífera etapa. Este concierto pertenece al ciclo A cuatro manos.