Las relaciones entre poesía y música en la obra de Ángel González articulan una lectura de sus poemas desde la canción, el jazz, la música popular y las referencias a Bach o Bartók. Esta conferencia combina comentario crítico y lectura de textos para mostrar cómo el ritmo, la repetición, la ironía y la nostalgia convierten la experiencia musical en materia poética. En el cierre del ciclo “Poesía y música”, Antonio Gallego dialoga con Ángel González, poeta, académico de la RAE y profesor de literatura española contemporánea.

Poesía y música (IV): Estoy bártok de todo

La relación entre poesía y música se aborda desde la música como experiencia de sentido, memoria y salvación frente a la muerte. Esta sesión combina semblanza, lectura y diálogo en torno a los poemas Salvación en la música y Una música, y plantea cuestiones sobre comunicación poética, silencio, ritmo y significado del arte. En el ciclo “Poesía y música” participan Antonio Gallego, director de Actividades Culturales y catedrático de Musicología, y el poeta Carlos Bousoño, profesor de la Universidad Complutense y miembro de la Real Academia Española.

Salvación en la música

La relación entre poesía y música en la obra de José Hierro articula una sesión dedicada al ritmo, la memoria y la alucinación poética. Esta conferencia-conversación recorre la presencia de compositores y obras en sus poemas, de Beethoven, Handel y Bach a Verdi y Schubert, y comenta textos como Experiencia de sombra y música, Verdi, 1874 y el Adagio para Franz Schubert. En el ciclo “Poesía y música”, Antonio Gallego conversa con el poeta José Hierro.

Experiencia de sombra y música

La relación entre poesía y música se aborda a partir de la obra de Claudio Rodríguez, atendiendo al ritmo del lenguaje oral, la canción popular, la "música callada" y la presencia del canto en sus poemas. Esta sesión combina la presentación crítica de Antonio Gallego con la lectura y comentario del propio poeta, que evoca sus comienzos, sus influencias y su concepción sonora del verso. En el ciclo “Poesía y música” conversan Antonio Gallego y Claudio Rodríguez, poeta y académico de la Real Academia Española.

Poesía y música: De los álamos vengo

En 1841, con casi cuarenta años, Hector Berlioz publicó Les nuits d’été, un ciclo de seis canciones sobre poemas de La comédie de la mort de su íntimo amigo Théophile Gautier. Si bien el compositor apenas menciona esta obra en sus memorias, el nombre de su dedicataria, la poeta y compositora Louise Bertin, aporta una pista para rastrear una intensa red de resonancias. En esta edición de Jóvenes Intérpretes, Brenda Poupard y Anne Louise Bourion esbozan la original amistad entre ambos y sus conexiones musicales y literarias con París como telón de fondo.

Brenda Poupard y Anne-Louise Bourion

Concebido como un juego de espejos entre obras y compositores, este concierto articula su programa en torno a György Kurtág, cuyo catálogo se nutre de pequeños homenajes a amigos y colegas. Cada una de sus piezas dialoga con la música de autores del pasado, citados o evocados. Integrado en el ciclo In memoriam, el programa propone una escucha atenta a las resonancias de la memoria musical.

Los amigos de Kurtág

Aunque el flamenco hunde sus raíces en tradiciones muy diversas, fue en el triángulo formado por Cádiz, Jerez y los Puertos donde cristalizaron durante el siglo XIX algunos de sus estilos más emblemáticos. Allí surgieron figuras decisivas y tomaron forma cantes como la soleá, la seguiriya, las alegrías o las bulerías, que delimitaron los principales rasgos del nuevo lenguaje flamenco. Este concierto inaugura el ciclo dedicado a la cartografía del flamenco.

La cuna: Cádiz, Jerez y los Puertos

La variación fue para Beethoven y Schubert un espacio privilegiado de invención. A partir de un vals trivial de Anton Diabelli, Beethoven construyó una de las arquitecturas más monumentales del piano, síntesis de rigor formal y fantasía. Mientras que Schubert aporta también una respuesta concentrada al mismo tema, su experimentación se orientó más hacia formas libres, como ejemplifican las Drei Klavierstücke D 946, que despliegan una libertad cercana a la improvisación.

Formas en libertad

La Fundación Juan March presenta, por primera vez en la serie de Jóvenes Intérpretes, una selección camerística de la Joven Orquesta Nacional de España. Termina aquí su gira de otoño con dos programas distintos dedicados íntegramente a obras de compositoras de los últimos cuarenta años junto al Ensemble Modern. Desde el collage frágil de Rebecca Saunders hasta el universo de variaciones gestuales de Ursula Mamlok, la fragmentación y la unidad serán la piedra de toque en el diálogo creativo intergeneracional de este segundo concierto.

JONDE Cámara Joven y Ensemble Modern II

La Fundación Juan March presenta, por primera vez en la serie de Jóvenes Intérpretes, una selección camerística de la Joven Orquesta Nacional de España. Termina aquí su gira de otoño con dos programas distintos dedicados íntegramente a obras de compositoras de los últimos cuarenta años junto al Ensemble Modern. La jornada del domingo, que incluye un estreno absoluto encargo de la JONDE, gira en torno a una generación de autoras de todo el globo: Kaija Saariaho, Younghi Pagh-Paan, Cathy Miliken y Hilda Paredes.

JONDE Cámara Joven y Ensemble Modern I

Integrado en el ciclo In memoriam, este programa invita a escuchar cómo unas músicas nacen de otras. El concierto está articulado en distintos bloques y presenta obras dispuestas en parejas o constelaciones unidas por vínculos de homenaje, evocación o influencia. De Couperin a Ligeti, se teje una red de resonancias compartidas que atraviesan estilos y periodos diversos.

Adieu (à la mémoire de)

Tres obras de madurez, cada una con rasgos propios, muestran cómo Beethoven y Schubert cultivaron en paralelo el trío con piano como un género de experimentación. Si la op. 70 beethoveniana supone un salto trascendental con respecto a todo el repertorio anterior, Schubert se adentró con sus dos tríos de ultimísima época en una escritura camerística de envergadura casi orquestal, al tiempo que pródiga en episodios de enorme lirismo e intimidad.

El trío en transformación

Compuesta durante la Cuaresma de 1727 y estrenada el Viernes Santo de ese mismo año en Leipzig, La Pasión según san Mateo de Johann Sebastian Bach contiene una de las plegarias más contritas de la historia de la música europea: Erbarme dich, mein Gott. Tomando prestado este título, Ayres Extemporae inaugura la temporada de Jóvenes Intérpretes 2026-2027 con un programa que ilustra el sacramento de la reconciliación con una selección de músicas que recorre desde el tormento hasta la paz de espíritu.

Ayres Extemporae

Desde el siglo XVII, el tombeau se convirtió en una de las formas más elocuentes de honrar a un difunto homenaje musical. Clavecinistas como Louis Couperin o Johann Jakob Froberger escribieron estas piezas fúnebres en memoria de maestros, amigos o monarcas, con una música despojada y rica en simbolismo para expresar el dolor. Este concierto inaugural del ciclo In memoriam recorre una selección de lamentos y meditaciones donde la música transforma la ausencia en memoria sonora.

Tombeaux, músicas de duelo

Música

El rechazo de la lujuria en Venus y Adonis anticipa el sentido del siguiente poema narrativo de Shakespeare, La violación de Lucrecia. Algunos de los temas presentes en ambos poemas, como la procreación y la amenaza del tiempo, también aparecen en sus Sonetos. En esta segunda sesión del ciclo La poesía de Shakespeare, el filólogo y traductor Ángel-Luis Pujante comenta varios fragmentos de Venus y Adonis y La violación de Lucrecia, así como una selección de seis Sonetos, en lectura dramatizada a cargo de los actores Esperanza Candela Sempere y David Luque.

Poemas y sonetos de Shakespeare. Lectura dramatizada

William Shakespeare destacó como poeta antes de ser reconocido como dramaturgo. En la primera conferencia del ciclo “La poesía de Shakespeare”, el catedrático de Filología Inglesa y traductor de la obra del dramaturgo inglés, Angel-Luis Pujante, aborda la poesía narrativa de Shakespeare y profundiza en los poemas Venus y Adonis (1593) y La violación de Lucrecia (1594) y en una selección de los Sonetos (1609).

La poesía de Shakespeare. Poemas narrativos, sonetos y otros

Entrevista de Clara Corrales a Luis Gago, traductor y crítico musical, previa al concierto "Amor de poeta", del ciclo Schumann, poeta y novelista. Entrevista retransmitida en Radio Clásica de RTVE.

Schumann íntimo

En Dichterliebe [Amor de poeta], Schumann tomó decididamente el testigo de Schubert impulsado por el aliento poético de Heinrich Heine. El ciclo, compuesto en 1840 y publicado en 1844, consta de dieciséis canciones, todas las cuales giran en torno al tema del amor no correspondido. Para muchos, es el más logrado y el más delicado de los ciclos de Schumann, plagado de sutilezas armónicas y texturales.

Schumann: Dichterliebe, op. 48

El publicista Toni Segarra conversa con Ana María Caballero, poeta y creadora que integra recursos visuales, digitales y el blockchain en su obra poética. Reflexiona sobre la vigencia de la poesía en la era tecnológica mediante videopoemas, inteligencia artificial o formatos poéticos novedosos. La charla aborda el poder expresivo del lenguaje, la fragmentación y la poesía como sanación, ejemplificado con piezas de su poemario digital.

Ana María Caballero, nueva poesía

“Un instrumento para convocar la emoción”. Así define Ben Clark (Ibiza, 1984) la poesía en este recorrido por la evolución de su poética personal. Además, en la primera parte de la sesión reflexiona sobre el poder de las palabras con la llegada de la IA y el papel de la búsqueda de un ideal, las preguntas y el lector futuro dentro del proceso de escritura. En la segunda parte, el poeta ofrece la lectura comentada de varios de sus poemas, finalizando con el poema inédito Homo naledi: el descubrimiento que puede reescribir la historia.

Ben Clark: convocar la emoción

Torquato Tasso fue uno de los escritores renacentistas italianos responsables de la recuperación de la poesía épica italiana. En esta conferencia, el catedrático, poeta y traductor José María Micó explora la figura de Tasso como creador de la Jerusalén liberada, su obra maestra. Entre historia y ficción, la obra relata la primera cruzada de la conquista de Jerusalén, alternando batallas y amores de héroes reales y ficticios. Esta última conferencia del ciclo El Renacimiento y la poesía épica italiana desgrana la compleja trayectoria de Tasso, marcada por la censura y los conflictos cortesanos.

Renacimiento y poesía épica: Tasso

Ludovico Ariosto, poeta renacentista italiano, consiguió superar el modelo épico clásico de escritura con su obra Orlando furioso. Considerado el romanzo más influyente de su tiempo, este poema en verso narra la pasión desmedida de Orlando por Angélica, transformando la épica caballeresca en un relato donde prevalecen los enredos amorosos y eróticos. El poeta, traductor y catedrático José María Micó comparte los episodios más célebres de la obra, contextualizándola en la corte de los Este en Ferrara y analizando la ironía de su narrador y los episodios intercalados que presenta, cuya influencia se percibe en el Quijote cervantino años después.

El Renacimiento y la poesía épica italiana: Ludovico Ariosto

El Renacimiento fue un periodo de esplendor artístico y cultural en Europa que a su vez supuso grandes cambios religiosos, ideológicos y geográficos. En el contexto literario, Italia lideró indiscutiblemente el esplendor literario renacentista en Europa. En esta primera conferencia del ciclo, el catedrático, poeta y traductor José María Micó, examina cómo la imprenta, la corte como centro cultural, la escritura en lengua vulgar y el redescubrimiento de la Poética de Aristóteles transformaron la cultura y la literatura renacentistas en toda Europa.

El Renacimiento en Italia

<div>Palabra dicha y dichosa es una jam session del español. Cuenta cómo a lo largo de varios días la sede de la Fundación Juan March se desbordó con una acción poética donde brilla el bien decir de nuestra lengua, como parte de la programación del festival Veranos de la Villa 2024. La palabra hablada, recitada, teatralizada, leída y cantada es la protagonista de este festival en su honor que, con una mirada ágil, plural y diversa, atraviesa géneros, estilos y épocas. En el festival, los espectadores pudieron escuchar algunas de las mejores páginas de nuestra literatura en las voces de los grandes intérpretes, músicos y actores Pepe Viyuela, Amalia Bautista, Aurora Luque, Silvia Marsó, Javier Gallardo, Elena Aranoa, Iván "Melón" Lewis, Carmen del Valle, Mamen Camacho, Gloria Muñoz, Julián Ortega, Arturo Querejeta y muchos más.</div>

Palabra dicha y dichosa

Poesía

El tango, prohijado por un gran número de compositores clásicos, ha conquistado asimismo la sala de conciertos. Este recital para piano solo recorre esta nueva senda desprovista de palabras y de los instrumentos que asociamos intrínsecamente al género con obras escritas por autores europeos y americanos desde el siglo xx hasta hoy. Este repertorio exhibe distintos grados de estilización respecto de sus modelos y explora lenguajes vanguardistas muy diversos, pero sin olvidar los rasgos inequívocos del tango.

Tangos modernos

Canciones populares, visiones poéticas, el exotismo de culturas ancestrales y los ecos del Quijote se dan la mano en este programa en el que se condensa la España imaginada por Maurice Ravel, sus contemporáneos y sus predecesores. Un poliédrico paisaje sonoro en el que la imagen de España se filtra a través de la elegancia francesa de Gabriel Fauré y la sensibilidad romántica de Robert Schumann.

Ravel y la España imaginada

Coloquio sobre la concepción y organización de la exposición con los comisarios de la muestra –Manuel Fontán del Junco, Inés Vallejo y Lucía Montes– y otros invitados. La charla se divide en dos partes. En la primera, se habla sobre el proyecto expositivo, la museografía y la gráfica, haciendo hincapié en el catálogo que acompaña a la exposición. En la segunda, participan tres artistas españoles cuyo trabajo tiene conexiones con el de Robert Rauschenberg: Nicolás Combarro, Rosell Meseguer y Miguel Ángel Tornero.

Acerca de la exposición Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes

Entrevista de Clara Corrales a Irene de Juan, pianista y divulgadora en Radio Clásica, previa al concierto "Música novelada", del ciclo Schumann, poeta y novelista. Entrevista retransmitida en Radio Clásica de RTVE.

Música y palabra en el imaginario romántico

El periodista Carlos Galilea presenta el primer concierto del ciclo Black Musics, un recital sobre la edad de oro de la música habanera titulado "La Habana, años 50". La música oscila entre el bolero, la canción afrocubana y el legado del piano criollo, explorando la riqueza y diversidad que surge de este mestizaje de géneros.

La Habana era una fiesta

Las acuarelas andaluzas de Albéniz, un reflejo de los clichés orientalistas en el París del cambio de siglo, se gestaron al mismo tiempo que surgían otras voces nacionales cuya raíz cultural había permanecido impermeable a la influencia del flamenco. El caso vasco, con el Padre Donostia a la cabeza, y su posterior huella en la música actual son el escenario alternativo propuesto en este segundo recital del ciclo dedicado a aquellos parajes no explorados por Iberia. Este concierto pertenece al ciclo Paisajes ibéricos.

Iberia al piano

En la primera conferencia del ciclo Fernando Zóbel: su vida, su obra, su tiempo, el profesor titular de la cátedra Fernando Zóbel de la Universidad de Harvard, Felipe Pereda, aborda al pintor Fernando Zóbel (Manila, 1924­­­­­­-Roma, 1984) haciendo hincapié en la faceta de su obra desde la perspectiva de su doble formación artística y académica. La obra de Zóbel fue concebida como un continuo diálogo con los grandes maestros de la historia de la pintura, a la vez que buscó la modernidad en el entorno de los expresionistas abstractos estadounidenses y el informalismo europeo, llegando a convertirse en una de las figuras destacadas del panorama artístico español de los años 50 y 60.

Fernando Zóbel, la pintura y la historia

Entre las obras para piano más difundidas de Béla Bartók se encuentran el Mikrokosmos, la Sonata para piano y las Catorce bagatelas. Para componer este repertorio pianístico, Bartók se inspiró en la tradición lisztiana, la contemporaneidad más reciente y su actividad etnomusicológica. Estos elementos confluyeron en una rica colección de miniaturas recogidas en este concierto del ciclo Perspectivas bartokianas a modo de álbum de recuerdos.

El piano de Béla Bartók

A los veintitrés años, Bartók escuchó por primera vez una canción campesina húngara. En el curso de la siguiente década se sumergió en el mundo rural húngaro, y con el rigor de un científico recopiló un vasto repertorio de melodías folclóricas antiguas que fecundaron su estilo creativo. En este concierto del ciclo Perspectivas bartokianas se interpretaron algunas de estas melodías que suenan junto a las páginas que éstas inspiraron.

Bartók: melodías campesinas como inspiración

Entrevista de Clara Sánchez a la traductora Elzbieta Bortkiewicz previa al concierto "El legado chopiniano" del ciclo "Un siglo de música polaca", transmitida por Radio Clásica de RNE.

Poesía y música (IV): Estoy bártok de todo

Antonio Gallego y Ángel González

Música

Poesía

Influencias artísticas