Esta serie de reportajes explora algunas de las joyas archivísticas de nuestra Biblioteca: los legados personales de compositores, artistas, escritores y dramaturgos. En la Fundación Juan March, estos archivos se custodian, catalogan y se ponen a disposición de investigadores o interesados. Legados de la Biblioteca recorre la historia reciente del teatro, el arte o la música españoles a través de las cartas, diarios o documentos de sus protagonistas.

El primer vídeo de la serie Legados de la Biblioteca se adentra en la figura de Modesto Ciruelos, pionero del arte abstracto español, a través del legado que su familia confió en 2024 a la Biblioteca de la Fundación Juan March. Su archivo personal revela la evolución artística de Ciruelos, desde sus inicios figurativos hasta su papel clave en la vanguardia. Este nuevo archivo descubre el rico contexto cultural y creativo del siglo XX, tejido a través de correspondencia, libros y testimonios de grandes artistas y escritores de su tiempo.

I. El legado de Modesto Ciruelos

El segundo vídeo de la serie Legados de la Biblioteca explora la figura de Arturo de Ascanio, referente mundial de la cartomagia española y maestro de toda una generación de ilusionistas. La magia moderna española no puede entenderse sin su figura. Discípulo de Fu-Manchú y Fred Kaps, sentó las bases de la prestigiosa escuela española. Este archivo, custodiado y digitalizado por la Biblioteca de la Fundación Juan March, permite profundizar en su teoría y repercusión en la magia gracias a sus libros, correspondencia, entrevistas o anotaciones.

II. El legado de Arturo de Ascanio

Legados de la Biblioteca

El 8 de febrero de 1985 se inauguró en la Fundación Juan March la primera exposición individual de Robert Rauschenberg en España. Como parte del acto inaugural, tuvo lugar una conversación pública entre el artista y quien entonces era su marchante, Leo Castelli, en el auditorio de la Fundación, en Madrid. Cuarenta años más tarde, coincidiendo con el centenario del nacimiento del artista, la Fundación Juan March presenta una nueva muestra, Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes. Acompañándola, esta serie recoge aquella conversación y la ilustra con una amplia selección de imágenes.

Bob y Leo es una serie de vídeos que recoge la conversación pública mantenida en Madrid en 1985 entre el artista Robert Rauschenberg y su marchante, Leo Castelli. Aquella charla inauguró la primera exposición de Rauschenberg en España, en la Fundación Juan March. Debido a un problema técnico, el inicio de la conversación no se grabó, y por ello ha permanecido inédita hasta ahora. Coincidiendo con la muestra Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes y el centenario del nacimiento del artista, esta producción audiovisual recupera aquel diálogo.

Bob y Leo (I): "Lo que ves es lo que hay"

Bob y Leo es una serie de vídeos que recoge la conversación pública mantenida en Madrid en 1985 entre el artista Robert Rauschenberg y su marchante, Leo Castelli. Aquella charla inauguró la primera exposición de Rauschenberg en España, en la Fundación Juan March. Debido a un problema técnico, el inicio de la conversación no se grabó, y por ello ha permanecido inédita hasta ahora. Coincidiendo con la muestra Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes y el centenario del nacimiento del artista, esta producción audiovisual recupera aquel diálogo.

Bob y Leo (II): “Lo que yo intentaba era integrar la habitación en el cuadro”

Bob y Leo es una serie de vídeos que recoge la conversación pública mantenida en Madrid en 1985 entre el artista Robert Rauschenberg y su marchante, Leo Castelli. Aquella charla inauguró la primera exposición de Rauschenberg en España, en la Fundación Juan March. Debido a un problema técnico, el inicio de la conversación no se grabó, y por ello ha permanecido inédita hasta ahora. Coincidiendo con la muestra Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes y el centenario del nacimiento del artista, esta producción audiovisual recupera aquel diálogo.

Bob y Leo (III): “Es la única cama que no has hecho”

Bob y Leo es una serie de vídeos que recoge la conversación pública mantenida en Madrid en 1985 entre el artista Robert Rauschenberg y su marchante, Leo Castelli. Aquella charla inauguró la primera exposición de Rauschenberg en España, en la Fundación Juan March. Debido a un problema técnico, el inicio de la conversación no se grabó, y por ello ha permanecido inédita hasta ahora. Coincidiendo con la muestra Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes y el centenario del nacimiento del artista, esta producción audiovisual recupera aquel diálogo.

Bob y Leo (IV): “¿Cuánto vale la cabra del escaparate?”

Bob y Leo es una serie de vídeos que recoge la conversación pública mantenida en Madrid en 1985 entre el artista Robert Rauschenberg y su marchante, Leo Castelli. Aquella charla inauguró la primera exposición de Rauschenberg en España, en la Fundación Juan March. Debido a un problema técnico, el inicio de la conversación no se grabó, y por ello ha permanecido inédita hasta ahora. Coincidiendo con la muestra Robert Rauschenberg: el uso de las imágenes y el centenario del nacimiento del artista, esta producción audiovisual recupera aquel diálogo.

Bob y Leo (V): “Tienes que seguir cambiando”

Bob y Leo (VI): “Ahora queda muy chic decir: «Yo fui al 9 Evenings»”

Bob y Leo (VII): “Ni siquiera me encontraron cuando quisieron darme el premio”

Bob y Leo (VIII): "Muy bien, Rauschenberg"

Bob y Leo. Una conversación entre Robert Rauschenberg y Leo Castelli

La historia de una exposición frustrada: la de los artistas que protestaron en 1950 porque su obra no se exponía en el museo –y medio siglo después es expuesta pero no puede verse debido a la pandemia– y la historia de su redención. Con un formato más próximo al video-ensayo que al documental, los comisarios de la exposición Los irascibles: pintores contra el museo. Nueva York, 1950 –junto a los artistas Luis Gordillo, Juan de Sande, José Manuel Ballester, Timothy Grenfield-Sanders y Lore Munk– reflexionan sobre la exposición vacía y sobre los artistas de la Escuela de Nueva York que, antes de ser los más cotizados del mundo, participaron en una protesta contra el Metropolitan Museum. Un retrato de estos artistas –Pollock, Rothko, Reinhardt, Newman, De Kooning y diez más– se convertiría en el retrato canónico del expresionismo abstracto americano. En el podcast <a data-cms-link data-cms-link href="https://canal.march.es/es/podcast/la-cara-c">La cara C</a>, se puede seguir aprendiendo sobe esta fascinante historia.

Los irascibles: por segunda vez

Primero de una serie de dos episodios sobre la biblioteca que tuvo Julio Cortázar en París, y que se aloja en la Fundación Juan March. Cortázar: Instrucciones de montaje (I) recaba los subrayados y anotaciones del escritor, desafiando conceptos como lectura, biblioteca personal o lector. Con la participación de José María Guelbenzu, José Sanchis Sinisterra, Rodrigo Fresán, Alejandra Bernárdez, Juan López y Javier Riera.

Cortázar: instrucciones de montaje (I)

Cortázar, Instrucciones de montaje (II) toma la biblioteca de Julio Cortázar como punto de partida para explorar los grandes temas de su literatura –el jazz, el surrealismo, la política– desde el humor, el juego y una capacidad para detectar lo fantástico que también reflejan los vídeos domésticos que rodó en su intimidad. Con la participación de Mario Vargas Llosa, Alberto Manguel, José Sanchis Sinisterra, José María Guelbenzu y Rodrigo Fresán.

Cortázar: instrucciones de montaje (II)

El retrato pintado por Francisco de Goya de una diva del teatro español en la segunda mitad del siglo XVIII, María del Rosario Fernández, conocida como La Tirana, va a protagonizar una exposición en la Fundación Juan March. Para ello va a ser sometida a un estudio técnico y una intervención de conservación-restauración, que implica a profesionales y científicos de distintas disciplinas, al tiempo que concita el talento de grandes artistas de la actualidad como su colega Rafael Álvarez “el Brujo” y el cuarteto Quiroga, o contemporáneos de la Tirana como el propio Goya o Luigi Boccherini. Todos ellos hacen de esta historia Un estreno para la Tirana.

Un nuevo estreno para la Tirana

Este videoensayo desanda el camino del compositor Roberto Gerhard y el escritor y político Ventura Gasol, los creadores del inédito ballet La noche de San Juan, que hace ya cien años viajaron a lo profundo del Pirineo catalán para inspirarse en sus extraordinarias celebraciones con motivo del solsticio de verano. El ballet nunca llegó a estrenarse por culpa de la Guerra Civil. En una suerte de relato simultáneo, asistimos de manera privilegiada a los ensayos de la obra y a las preparaciones de la fiesta grande de Isil, el pueblo en el que Gerhard y Gassol situaron la acción de su ballet. Mientras los bailarines de la Compañía de Antonio Ruz asimilan sus primeros compases, los mozos de Isil cargan pesados troncos que más tarde lanzarán montaña abajo envueltos en fuego, verdadero protagonista de esta historia.

Arderán las cimas

Viendo su obra habrá quien piense que se encuentra ante una muestra colectiva. Así de polifacética es la poco conocida figura de Bruno Munari, el único autor de las obras que se convierten en este videoensayo en vehículos para adentrarse en la personalidad creativa de quien las hizo posible. Munari surcó el siglo XX –nació en Milán en 1907 y murió en 1998– con la determinación de un explorador que observa el mundo armado de ingenio e ironía, y la curiosidad y ganas de jugar de un niño.

Munari, ¿se puede hacer de otra manera?

La Fundación Juan March desclasifica un expediente insólito y desconocido hasta la fecha: la desaparición durante tres minutos de su biblioteca de Ilusionismo. El videoensayo 07:07:22, engaño a ojos vistas revela cuanto se ha podido entender acerca de este suceso sobrenatural y fabula, entre trucos, música en vivo y las explicaciones del experto Ramón Mayrata, el arte y la historia de las cosas desapariciones y reapariciones mágicas. ¡Cuando termines de ver esta película despertarás de un dulce sueño y no recordarás nada de lo que has visto!

07.07.22, engaños a ojos vistas

Un videoensayo que presenta algo muy inusual: cómo las obras de arte abandonan el museo que las acoge. El Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca se vacía casi en su totalidad con motivo de su climatización y varios artistas intervienen en los espacios del museo, convertido, literalmente, durante unos meses, en un cubo blanco.

Vaciar el museo

Las piezas de la exposición Escala: Escultura (1945-2000) no solo escapan al confinamiento de la sala expositiva invadiendo varios espacios adyacentes a la sede madrileña de la Fundación Juan March, sino que se alían en este video ensayo con la creatividad del grupo de danza contemporánea Kor’sia alrededor del concepto de escala. Ambas expresiones artísticas construyen frente a la cámara un bello y dinámico juego visual sobre la medida de las cosas.

Sobre la medida de las cosas

Durante 400 años, nadie se ha atrevido a representar “La casa de los celos y selvas de Ardenia". Y es por algo. Grandes expertos consideraban esta comedia de Miguel de Cervantes un disparate; la crítica se cebó con ella tras su publicación y varios profesionales del teatro confirmaron que la puesta en escena era inviable. Pero se impuso la sensación de que esta obra de Cervantes –el escritor más universal de la lengua española– no podía permanecer en el olvido. En la Fundación Juan March, un equipo liderado por Ernesto Arias se propuso representarla por fin en el circuito profesional, como parte de la iniciativa “Dramaturgo invitado”. Este documental cuenta su incursión en las selvas de una comedia cervantina olvidada.  

De aventuras están llenas estas selvas

La Cara B

Hijo de un ingeniero de la seda, en su infancia Alfonso Albacete (Málaga, 1950) recibe la visita de negocios de indios Sij tocados con turbante y de japoneses portadores de figuritas fascinantes. Tras una primera etapa conceptual marcada por el compromiso ideológico, se acerca a Cézanne y a la abstracción americana. A su regreso de Indonesia un atardecer se le queda grabado: mientras sobrevuela la gran población flotante del Mar de China, miles de barcos, casas o basura flotan en la superficie, a la vez que el mar deja ver su fondo. En los jardines secos de Japón pierde la angustia y la noción del tiempo, y después aplica a sus obras el mismo método.

Alfonso Albacete. Una visión del mar de China 

Frederic Amat (Barcelona, 1952) integra en su trabajo creativo múltiples lenguajes con la tinta siempre presente, a la que considera la sangre del artista. Con 48 años hizo su primer viaje a la India, donde se pierde, estimulado por la imagen, para acabar encontrando lo imprevisto. Primero viajó al norte (2000) y tres años después al sur, donde vive en una barca arrocera desde la que filma "el río, otra vez el río, siempre el río." Durante un mes pasea por Benarés con la mirada suspendida, al descubrir en las conexiones de cables verdaderas cabelleras de Shiva. En 2010 viajó por primera vez a Japón para montar Ki, un espectáculo con bailarines y músicos japoneses enmascarados con una hoja de col con la que subvierte su código, que primero aprende profundamente. En sus paseos por Tokio entiende que "en Japón, la vida se hace ceremonia."

Frederic Amat. El poder transformador del viaje

Desde 1990, José Manuel Ballester (Madrid, 1960) empezó a conjugar pintura y fotografía, y a coleccionar fotografías chinas de principios de siglo, que valora porque capturan el carácter mágico de su cultura: la mesa de té, el reloj, sus hábitos. Ha viajado a China quince veces con rutas diferentes, primero con la mirada en lo innovador y lo contemporáneo, descubriendo luego el peso de su cultura y de sus tradiciones. En sus viajes aprendió a valorar la amistad, a disfrutar del instante, la relación con los cambios y los ciclos vitales. El modo occidental de coger el pincel tiene para él un movimiento limitado, frente al oriental que, sostenido en vertical, permite un gesto más rico, alegre y fluido.

José Manuel Ballester. Tecnología y tradición

A menudo frecuenta la zona reservada del museo Guimet, primer contacto de Miquel Barceló (Mallorca, 1957) con el arte oriental. Entre otros muchos lugares ha visitado el Himalaya, a donde viaja con devoción. De esta cordillera le asombran las cuevas con remotas pinturas budistas: después de caminar durante horas por una montaña sin camino, en una pequeña entrada pudo ver pinturas con fragmentos de lapislázuli y oro que nadie había robado. En la soledad de la cueva había un asceta, por lo que decidió bajar la voz, pero su guía empezó a bailar y le explica: "para él nosotros somos como una hormiga: no nos ve". Empezó a meditar hace no mucho, para descubrir que ya sabía controlar la respiración porque llevaba toda la vida buceando, y que la meditación estaba muy asociada a la soledad e inmovilidad del artista.

Miquel Barceló. El asceta en la cueva

Sus padres se conocieron en la escuela de Artes y Oficios de Zaragoza, y en su casa siempre había pinturas, acuarelas y lápices. Para José Manuel Broto (Zaragoza, 1949) hay en la relación entre oriente y occidente un componente atractivo y misterioso. Cuando algo no le sale, lo repite. En otros casos, a los cuadros hay que dejarlos, o eso decía Miró: a los quince días volvía y decía "¡Hombre, si está acabado!" En el arte oriental, el vacío es un elemento estructural de las imágenes, que él representa en forma de elipsis. Le gusta dejar huellas, rastros, que el espectador pueda reconstruir para conseguir una imagen más poderosa.

José Manuel Broto. La huella del vacío

De niña aficionada a la construcción de cabañas en los árboles, Marta Cárdenas (San Sebastián, 1944) regresa de estudiar en París para "trabajar duramente en el lienzo", según cuenta Fernando Zóbel. Iniciada en el retrato, se planta en mitad de la naturaleza -que sintetiza en dos sentadas- y pasa al estudio del movimiento en el zoo de Madrid. Del agua al "esperar zen" de las hogueras humeantes de El Escorial, y de ahí a sus viajes, de los que recuerda el color de cien gorros distintos y culturas lejanas de la India, que la embarcan hacia la abstracción. A Japón viaja tres veces, donde aprende a captar por separado la energía de los símbolos de la caligrafía clásica.

Marta Cárdenas. La naturaleza y el zen

Cuando viajó por Europa tras el servicio militar, Francisco Farreras (Barcelona, 1927) quedó impactado por el arte asiático del British Museum. Su especial empatía con lo japonés, –por su orden y delicadeza, la tensión en su juego con los materiales, su habilidad y disfrute con los plegados– culmina en un almacén en Nueva York, donde descubre las posibilidades del papel de seda, que superpuesto aumenta su blancura. Entra así en el mundo del collage, elemento principal de su obra durante los siguientes quince años, hasta que sigue la sugerencia de volumen de su propio mural de Barajas. Últimamente, sus superficies casi planas le aproximan aún más a Japón.

Francisco Farreras. Japón y el volumen

Hijo de carnicero con vocación espiritual, Luis Feito (Madrid, 1929) estudia en París empleando sólo negros, ocres y blancos. A su regreso a Madrid funda El Paso (1957) con otros artistas españoles, y descubre el potencial de la luz, que le lleva a utilizar el rojo en motivos circulares. Se confiesa "un loco de la India", impactado por la combinación de colores que visten las campesinas al borde de la ruta. La influencia del arte japonés se advierte en grandes bandas negras que comienza en el suelo, para trabajar lo inmediato sin ver el conjunto. Inspirado por la caligrafía china, destaca cómo el punto de partida del arte oriental es la frase que le da sentido, frente a la gestualidad pura del arte abstracto occidental.

Luis Feito. La pincelada única

Hijo del también escultor y ceramista Josep Llorens Artigas, Joan Gardy Artigas (Boulogne-Billancourt, 1938) crece en Cataluña rodeado de artistas: su padre era íntimo amigo de Miró y Picasso, de quien llega a tatuarse un dibujo geométrico en el brazo. Igual que su padre treinta años antes, abre en París su propio taller, donde trabaja junto a Braque, Chagall y Giacometti. Su interés por la cerámica le lleva a Japón, cuna de la cerámica, donde cada región tiene su estilo propio. En 1989 crea una fundación en Gallifa en memoria de su padre, de quien aprende a "inspirarse en oriente sin volverse oriental."

Joan Gardy Artigas. La cerámica hecha arte

Uno de los efectos de la globalización para el arquitecto y pintor Juan Navarro Baldeweg (Santander, 1939) es que "Japón no puede dejar de estar dentro de uno." Después de una década dedicado al paisaje, su interés por las energías, el viento y la lluvia, le conduce hasta el dragón chino, que "apacigua esas fuerzas que te superan". Tras su paso por el expresionismo abstracto americano, en el que ahonda en la caligrafía oriental, evoluciona a la separación por estratos. De Matisse y la miniatura persa aprende a valorar el ornamento, a pensar en la vivencia global "redibujando la habitación". Su principal objetivo es similar al de los grafiteros: incorporarse al mundo.

Juan Navarro Baldeweg. Energía y materia

Había viajado antes por la India, pero es a partir del tsunami que arrasó la costa de la región japonesa de Tohoku en 2011 cuando José María Sicilia (Madrid, 1954) empieza su nueva vida. Es entonces cuando se aficiona a todo lo que agita y conmueve, cuando indaga sobre los sonidos del desastre y crea esculturas en forma de sonogramas que muestra en Fukushima con el título de Flores de invierno. Durante su viaje pide a niños y ancianos que recuerden los momentos antes del tsunami, y trata con ellos el suicidio de forma creativa junto a un grupo de psicoterapeutas. A su regreso a Madrid crea la fundación en la que reflexiona sobre el instante. Los bordados de su kimono gigante de seda y raso (2016) imitan las manifestaciones sonoras y luminosas que se produjeron durante el tsunami.

José María Sicilia. Arte de un tsunami

Rodeado de árboles, tierra y agua, Juan Uslé (Santander, 1954) crece libre. Reside y trabaja entre Cantabria y Nueva York, sueña despierto y la escritura le ayuda en su empeño de aprendizaje permanente. En una de sus obras abstractas había pintado un barco naufragado sobre una loma, con la idea de que "el barco, en la montaña, estaba salvado." Cuando llega a Nueva York, pinta una versión inversa del mismo cuadro: ya no es una loma, es una isla, y era él quien naufragaba y se sentía aislado. En 1989 viaja a Nepal, donde queda impactado por el saludo de un sonriente y pequeño nepalí: "Cuando yo te digo namasté, no te saludo como a los demás, al decirlo me dirijo solo a ti y saludo lo mejor que hay dentro de ti". Para él, importa la superficie sedosa y transparente de la pintura, y también la experiencia del espectador de "entrar a dentro."

Juan Uslé. El significado de “namasté”

Con 14 años, el judo ayudó a José María Yturralde (Cuenca, 1942) a envolverse en una meditación activa al pintar, uniendo lo físico con lo espiritual. Fue entonces cuando conoce a Yves Klein, sin saber que el maestro judoka era un importante artista del neodadaísmo, como descubriría en París más tarde. A su regreso a Cuenca entra en contacto con Fernando Zóbel y Gustavo Torner, que afianzan su comprensión del arte chino. Participó en la Bienal de 1978, con piezas semitransparentes y orgánicas que eleva en el aire por la mañana y recoge por la tarde cuando baja el viento. En 1990 viajó a Japón, donde el templo de la Paz del Dragón y el jardín de roca de Ryoan-ji le causan una honda impresión. En la ruta de la seda encontró más afinidades que distancias entre las personas. Siente un interés profundo por entender quiénes somos, por descifrar los orígenes de la conciencia, no desde la investigación y la lectura, sino desde la pintura.

Series de la March

Legados de la Biblioteca

Bob y Leo. Una conversación entre Robert Rauschenberg y Leo Castelli

La Cara B

Asia y yo. Conversaciones con artistas