Inauguración de la exposición Saul Steinberg, artista

El creador de historietas Francesc Capdevila (Max) charla con Pablo Pérez d'Ors en el acto inaugural de Saul Steinberg, artista, una exposición retrospectiva sobre esta figura clave del arte de posguerra que se definió a él mismo como “un escritor que dibuja”. Después de la conversación, Tomeu Garcías, trombón, y Joan Garcías, contrabajo, ofrecerán un repertorio de jazz inspirado en el universo musical de Steinberg.

A la manera del Bosco propone un diálogo entre dos pinturas del siglo XVI, realizadas por un seguidor del Bosco, y artistas contemporáneos que actualizan, reinterpretan o emulan el imaginario delirante del maestro flamenco. En esta exposición, las visiones del Bosco conviven con las escenas surrealistas de David Lynch, las criaturas transhumanas de SMACK o la lógica generativa de la IA en la obra de Mario Klingemann. Esta continuidad en los artistas contemporáneos de ensoñaciones como las del Bosco no es un caso aislado. Su intensa influencia es excepcional: tras su muerte, sus invenciones, sátiras morales, imaginería delirante y humor negro se convirtieron en una tradición viva. Esta exposición está organizada con la colaboración de SOLO Contemporary.

Exposición: A la manera del Bosco

Lo tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto incluye la obra de un amplio número de artistas de los siglos XX y XXI para los que el color es un elemento esencial y estructurador. Pero busca ir más allá: esta exposición recorre la emancipación del color, que alcanza su completa autonomía más allá de la línea y la forma en el siglo XX. Los primeros experimentos de Kazimir Malévich son el punto de partida de esta narración, que llega hasta el presente y ofrece una nueva perspectiva sobre el color en la historia del arte.

Exposición: Lo tienes que ver

La música instrumental se emancipó definitivamente a finales del siglo XVIII. Fue entonces cuando el trío de cuerda disfrutó de un apogeo desconocido y en pocos años se compusieron centenares de tríos. Este concierto muestra una selección de los mejores logros de este género compuestos por Luigi Boccherini, Gaetano Brunetti y un desconocido José Castel. Con cada obra se proyecta un retrato contemporáneo.

El surgimiento del trío de cuerda

El narrador, poeta, ensayista, filósofo y profesor Rafael Argullol aborda en esta entrevista 
algunas de sus obras clave, como La razón del mal o El fin del mundo como obra de arte . En ellas, Argullol recurre a lo que denomina "escritura transversal", caracterizada por el rechazo a las separaciones tradicionales entre géneros literarios y a la dualidad entre el mundo de las ideas y el mundo de las sensaciones. La transversalidad, así como la inmediatez, el dolor, la estética y la amistad, se tratan también en esta charla a través de un repaso por las obras y viajes más significtivos del autor.

Rafael Argullol y la escritura transversal

El desarrollo de proyectos artísticos con vídeo es hoy una realidad recurrente. Las perspectivas de la creación musical actual se han expandido a través de un uso ya generalizado de la imagen. Lo interdisciplinar no es solo marca de los tiempos, sino esencia de un pensamiento y una creación actuales que desde hace mucho han difuminado los bordes de las antiguas disciplinas artísticas. Esta conferencia del compositor José María Sánchez-Verdú —que precede al concierto "Sinergias: arte visual y arte sonoro", del ciclo Música visual— analiza las distintas vertientes de este estimulante diálogo entre imagen y música a partir de cuatro composiciones de Alberto Bernal, Helga Arias, José María Sánchez-Verdú y Lisa Liz.

Caminos e interacciones entre la música y el vídeoarte

Las conexiones entre música y pintura encontraron en la Viena de las vanguardias históricas un terreno de fértil creatividad. Este concierto propone la contemplación emparejada y simultánea de composiciones de Arnold Schoenberg y Anton Webern y cuadros de Wassily Kandinsky y Piet Mondrian. Un intercambio de percepciones que desvela nuevos significados.

Webern y Schoenberg pintan para Mondrian y Kandinsky

El 2 de enero de 1911 comienza uno de los encuentros creativos más intensos del siglo XX. Aquel día, Vasili Kandinsky asiste en Múnich a un concierto de obras de Arnold Schoenberg, entre ellas, las Tres piezas para piano op. 11. Bajo el impacto de la velada, Kandinsky pinta su Impresión III (Concierto) y escribe a Schoenberg –a quien no conoce personalmente– una carta. En ella le confiesa que ha encontrado en su música lo que él buscaba en su pintura. Esta conferencia de Guillermo Solana, director artistico del Museo Nacional Thysen-Bornemisza, —que precede el concierto "Kandinsky y la trinidad musical", dentro del ciclo Música visual— desgrana la relación personal y artística entre estos dos autores fundamentales de la vanguardia y las consecuencias para sus poéticas creativas.

Kandinsky y Schoenberg, música y pintura

Leonardo da Vinci desarrolló su talento a través de innumerables oficios. Pero una de sus biografías ya señalaba que su primer trabajo fuera de Florencia había sido el de músico. Este concierto explica la conexión entre algunas creaciones de Leonardo y distintas composiciones musicales, una interrelación que incita a contemplar su arte a través del sonido.

Leonardo da Vinci a través de la música

El pintor, grabador y diseñador, integrante de la nueva figuración madrileña, Guillermo Pérez Villalta (Tarifa, 1948) es entrevistado por el periodista Íñigo Alfonso en una nueva sesión de Memorias de la Fundación, cuyos protagonistas son destacadas personalidades provenientes de diferentes ámbitos de la cultura que fueron destinatarios de becas o ayudas de la Fundación Juan March. Guillermo Pérez Villalta fue merecedor de una beca de creación artística en 1979 y ha sido galardonado con el Premio Nacional de las Artes Plásticas (1985), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2006) y el Premio Nacional de Arte Gráfico (2020).

Memorias de Guillermo Pérez Villalta

Más sobre Pintura

El catedrático de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid y conferenciante de las tres sesiones de este ciclo, Miguel Ángel Elvira Barba, recorre los territorios de las islas del Egeo, Egina, Delfos, Sicilia, Olimpia y Argos para descubrir y analizar las esculturas que precedieron al periodo clásico de la Atenas del siglo V a. C. Entre los hitos artísticos de este periodo, que sucede al arcaísmo final, se analizan obras destacadas como la Auriga de Delfos o el Efebo de Motia, y en especial los trabajos que realizaron, en Argos, los artistas Mirón y Policleto.

Los escultores griegos del siglo V a. C.

El arquitecto Jacques Herzog presenta, en diálogo con Luis Fernández-Galiano, un recorrido por su trayectoria creativa a través de varias obras significativas: desde los comienzos caracterizados por el empleo de materiales naturales y formas elementales y minimalistas, hasta la evolución hacia elementos decorativos concebidos de una manera clásica y la reconversión de edificios industriales, manteniendo la estructura de las construcciones, como la Tate Modern de Londres (2000), CaixaForum Madrid (2008) y la Filarmónica de Elba en Hamburgo (2015). Afirma Herzog que una de las cuestiones fundamentales de la arquitectura es la sintonización con el espacio y la aceptación del público, pues es lo que otorga vida a la obra. Para concluir, reconoce la influencia y la fascinación intelectual por los artistas plásticos de la abstracción.

Jacques Herzog: Arquitectura inspirada en el arte

El profesor del Área de Prehistoria de la Universidad de Alcalá, Javier Alcolea, aborda algunos tópicos y mitos que rodean al arte rupestre paleolítico. El reconocimiento de numerosos conjuntos artísticos al aire libre, la variedad de técnicas y temas y la actualización del contexto geográfico y cronológico, entre las últimas novedades de la investigación, parecen evidenciar que este tipo de prácticas simbólicas y gráficas se extendían a la mayor parte de los grupos humanos prehistóricos que habitaron el viejo continente. 
 
Siguiente sesión: <a data-cms-link data-cms-link data-cms-link data-cms-link href="http://www.march.es/videos/?p0=11220&l=1">¿Por qué y para qué? El significado del arte rupestre</a>

¿Qué es el arte rupestre paleolítico? 

Definida como “la obra más significativa de las últimas décadas de la arquitectura”, el catedrático y arquitecto Luis Fernández-Galiano describe la sede bilbaína del Museo Guggenheim, inaugurada en 1997. Arquitectura a gran escala y revestida de titanio, ha sido entendida como espectáculo por ser icono emblemático de la transformación de la ciudad industrial que la acoge. De su arquitectura destacan las formas geométricas, diseñadas con el software CATIA de la industria aeronáutica. Este edificio supone un hito fundamental en la trayectoria de su autor, el arquitecto Frank Gehry, quien partiendo del deconstructivismo incorpora volúmenes y formas escultóricas como estructura principal de la construcción.

El Museo Guggenheim de Bilbao: arquitectura y espectáculo

Este monumento en hierro de infinitas metáforas fue concebido por el empresario Gustave Eiffel con motivo de la Exposición Universal de París en 1889. La singularidad de la Torre Eiffel consiste en que, a excepción de la cúspide, no remite a una funcionalidad concreta. Controvertida desde su inauguración, esta obra de ingeniería civil que revolucionó la arquitectura moderna –junto a la desaparecida Galerie des Machines– ha acabado por convertirse en el símbolo de París. El ingeniero y catedrático Miguel Aguiló plantea en esta conferencia la visión de la Torre Eiffel desde una perspectiva histórica, técnica y estética.

La Torre Eiffel: apogeo del hierro, símbolo de París

El arqueólogo y catedrático Miguel Rivera introduce el territorio y las civilizaciones mesoamericanas para explicar la existencia de miles de pirámides mayas en la selva del Yucatán (México). Este tipo de restos arqueológicos de templos, que representan el mundo como una montaña y simbolizan el poder dinástico, desvelan algunos de los misterios de la cultura maya pero también señalan los enigmas sin resolver. En la ciudad de Chichén Itzá se halla la pirámide de Kukulcán o El Castillo, donde los avanzados conocimientos en astronomía, geometría, aritmética y matemáticas de la civilización maya-tolteca se aúnan para hacer del monumento una perfecta representación del cosmos.

La pirámide de Kukulcán. La unión del cielo y la tierra

El profesor Pedro Bádenas propone un recorrido a través de los distintos testimonios que reflejan los cambios históricos en la percepción de la basílica de Santa Sofía, levantada en el siglo V sobre el terreno que habían ocupado dos basílicas paleocristianas.. Destacan los escritos de literatura áulica de Procopio de Cesarea, quien narra cómo la grandeza de la basílica y de la ciudad de Constantinopla estaban destinadas a ser reflejo de la sociedad ortodoxa y del poder del emperador Justiniano. Tras la conquista otomana en 1453, el edificio fue acondicionado para la conversión en mezquita. A pesar de los cambios en el uso, como afirma el conferenciante, Santa Sofía hoy “sigue ofreciendo al moderno peregrino tanta historia como estética, una perenne experiencia de lo absoluto”. 
 
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Percepción histórica y estética de Santa Sofía

Este ciclo sobre cuatro maestros de la arquitectura del siglo XX se abre con el que puede considerarse uno de los primeros arquitectos modernos y uno de los "constructores de la identidad americana", Frank Lloyd Wright (1876-1959), cuya trayectoria vital y artística es revisada en esta conferencia por el también arquitecto, Luis Fernández-Galiano. El legado de la obra de Frank Lloyd Wright moduló la evolución de las formas arquitectónicas, en especial a través de sus casas, con las que buscó romper los volúmenes encajonados convencionales para abrirlas al paisaje. Su prolífica carrera, esencial para la comprensión del nacimiento del Estilo Internacional europeo, dejó verdaderos emblemas de la modernidad como la Casa de la Cascada y el icónico edificio del Museo Guggenheim de Nueva York. 
 
Este vídeo presenta las diapositivas originales sincronizadas con el audio de la conferencia.

Frank Lloyd Wright

Iconos

"Con más de medio centenar de obras, realizadas entre 1959 y 1993, desde el pasado 2 de febrero está abierta en las salas de la Fundación Juan March la exposición del artista norteamericano Tom Wesselmann (Cincinnati, Ohio, 1931), destacada figura del arte pop en Estados Unidos, junto a Andy Warhol, Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein. «De los artistas pop americanos -señala Meinrad Maria Grewenig en el catálogo de la muestra-, Wesselmann es el que más fuertemente enlaza con la tradición pictórica europea, y continúa desarrollando los conceptos de esta tradición europea hasta sus más recientes obras.»La exposición, organizada por el Instituto de Intercambio Cultural de Tubinga (Alemania), se está exhibiendo desde la primavera de 1994 en diversas ciudades europeas; y ha permitido seleccionar a los diferentes museos e instituciones que la vienen ofreciendo entre cerca de un centenar de obras que reproduce el catálogo. En la muestra que se exhibe en las salas de exposiciones de la Fundación, así como en el vestíbulo de los salones de actos y en otras de sus dependencias, están representadas todas y cada una de las series más conocidas de Wesselmann («Fumadores», «Pinturas de dormitorio», «Pinturas moldeadas», «Assemblages», etc.). Tras su clausura en Madrid, en la Fundación Juan March, el 21 de abril, la exposición se ofrecerá en Barcelona, en el Palau de la Virreina.Las obras proceden del propio Wesselmann; Mayor Gallery, de Londres; Didier Imbert Fine Art, de París; Sidney Janis Gallery, de Nueva York; Galerie Nikolaus Fischer, de Frankfurt; y varias colecciones privadas. Ha colaborado también en la realización de la muestra Mercedes Benz.En el acto inaugural de la exposición, al que asistió el director del Instituto de Intercambio Cultural de Tubinga, Thomas Buchsteiner, pronunció una conferencia Estrella de Diego, profesora de ArteContemporáneo en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense"

Nostalgia de unos cuerpos

El collage literario permite leer la narrativa de Julio Cortázar como una forma abierta, fragmentaria y disonante, capaz de representar la multiplicidad del mundo y de la conciencia contemporánea. Esta conferencia analiza ese procedimiento en Rayuela, Libro de Manuel y, de forma especial, 62, modelo para armar, atendiendo a sus juegos de montaje, contrastes, desvíos narrativos y figuras simbólicas. En el ciclo “Julio Cortázar: sus mundos y sus modos”, Saúl Yurkievich recorre las claves formales de esta poética.

Julio Cortázar: modelos para armar

La Fundación Juan March es sede, desde el día 2 de abril y hasta el 27 de mayo, de la exposición del norteamericano Joseph Comell. Compuesta por 74 obras, entre las que hay collages y construcciones en cajas, por las que fundamentalmente Cornell es conocido en el mundo del arte. La muestra constituye una novedad expositiva en Madrid. En el acto inaugural pronunciará una conferencia el crítico de arte Fernando Huici, sobre «Joseph Comell y el no lugar de la utopía». Esta exposición cuenta con obras realizac;las a lo largo de 36 años y ha sido posible gracias a la colaboración prestada por la Fundación Joseph y Robert Cornell, las galerías Castelli, Feigen y Córcoran; los señores Richard Ader, Burton Kanter y Linda Olin, así como al Museo de Arte Moderno de San Francisco y a otros coleccionistas e instituciones. Las obras contenidas en esta exposición se agrupan en construcciones (aviarios, cosmologías, palacios, palomares, príncipes de Médici, cajas de arena, estuches, objetos, cajas de recuerdos, misceláneas y cajas de sonido) y collages. Se inauguró la exposición de collages y construcciones en cajas, de Joseph Cornell (1903-1972), con una conferencia del crítico de arte Fernando Huici sobre el pintor y cineasta norteamericano, a la que tituló Joseph Cornell y el no lugar de la utopía.

Joseph Cornell y el no lugar de la utopía

Collage

La Fundación Juan March presenta entre el 8 de febrero y el 3 de marzo de 2013 una muestra integrada por 11 bodegones flamencos y holandeses realizados en el siglo XVII por Osias Beert, Clara Peeters, Floris van Dijck, Willem Heda, Pieter Claesz y Jan Davidsz de Heem. Se trata de los artistas más representativos de entre los que hicieron de la equívocamente denominada "naturaleza muerta" uno de los géneros más característicos de la pintura del norte de Europa.

De la vida doméstica. Bodegones flamencos y holandeses del siglo XVII

Hasta el 29 de marzo estará abierta en la sede de la Fundación Juan March la Exposición de 66 obras del artista Inglés Ben Nicholson (1894-1982), que se exhibe en esta institución desde el pasado 6 de febrero. La muestra ha sido organizada por el Consejo Britanico, de Londres, y ofrece una selección de pinturas y relieves de este artista, una de las figuras más destacadas de la vanguardia inglesa del siglo xx. En esta retrospectiva de Ben Nicholson pueden contemplarse obras realizadas desde 1919 hasta 1981, un año antes de su muerte, procedentes de la Tate Gallery, de Londres; del Museo de Arte Moderno, de Nueva York; del Guggenheim Museum, de Nueva York; de la Kunsthaus, de Zurich, y de la Phillips Collection, de Washington; además de otros museos y galerias y de colecciones particulares. A la inauguración de la muestra, en Madrid, asistieron el director de la Tate Gallery, Alan Bowness, la hija de Ben Nicholson, Sara Bowness, yel Embajador del Reino Unido, Nicholas Gordon-Lennox, además de representantes del Consejo Britanico, Jeremy Lewison, conservador de la Tate Gallery y comisario de la Exposición de Nicholson, pronunció la conferencia de presentación de la muestra. Lewison es autor, asimismo, del estudio que sobre la figura y la obra del artista recoge el catalogo.

Inauguración de la exposición Ben Nicholson

Con una conferencia del crítico y profesor de Historia del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid Julián Gallego, se inauguró en la sede de la Fundación, el pasado 18 de abril, la Exposición «Maestros del siglo XX. Naturaleza muerta», en la que se ofrecen 79 obras pertenecientes a 32 destacados maestros de los principales movimientos y escuelas artisticas del presente siglo, cuyo catalogo presentamos en forma de diccionario en el número anterior de este Boletín Informativo. La muestra representa una variada selección de 72 pinturas y 7 esculturas que han tratado el tema de la «naturaleza muerta» a lo largo del siglo XX. Las escuelas y estilos a los que se pueden adscribir obras y autores son los que se han ido sucediendo en el arte eontemporaneo de diversos paises: surrealismo, cubismo, dadaismo, expresionismo, arte «pop», arte abstracto, etc. Los pintores y escultores representados en la exposición son los siguientes: Jean Arp, Mac Beckman, Jules Bissier, Pierre Bonnard, Georges Braque, Marc Chagall, Jean Dubuffet, Raoul Dufy, Max Ernst, Alberto Giacometti, Juan Gris, Paul K1ee, Oskar Kokoschka, Le Corbusier, Fernand Leger, Roy Lichtenstein, Rene Magritte, Henri Matisse, Joan Miro, Adolphe Monticelli, Ben Nicholson, Claes Oldenburg, Pablo Picasso, Odilon Redon, Georges Rouault, Kurt Schwitters, Chaim Soutine, Nicolas de Stael, Saul Steinberg, Antoni Tapies, Jean Tinguely y Andy Warhol.